Samuel Beckett

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Samuel Beckett wurde 1906 in Dublin geboren. Nach seiner Ausbildung am Trinty College zog er nach Frankreich und wurde in Paris Dozent für Englisch. 1930 veröffentlichte er einen Gedichtband, Whoroskop (1930). Es folgte eine Sammlung von Kurzgeschichten, Mehr Stiche als Tritte (1934) und ein Roman, Murphy (1930).

Nach dem Zweiten Weltkrieg kam Beckett zum Erfolg. Dazu gehörte die Romantrilogie, Molly (1951), Malone Meurt (1951) und L'Innommable (1953).

Als führender Vertreter des Theaters des Absurden schrieb Beckett die Stücke Warten auf Godot (1953), Endspiel (1957), Alles im Herbst (1957), Krapps letztes Band (1958), Glückliche Tage (1961), Spiel (1963) und Kommen und gehen (1966). Beckett wurde 1969 der Nobelpreis für Literatur verliehen.

Becketts spätere Stücke enthalten Der Atem (1970), Nicht ich (1972) und Schritte (1976). 1989 starb Samuel Beckett.


Nicht ich: Die Bühnenpoesie von Samuel Beckett

Wann Nicht ich1973 zum ersten Mal auf der Royal Court-Bühne plätscherte sein elliptischer Text, er verwirrte das Publikum mehr als alles, was es je zuvor gesehen hatte. Nicht einmal Becketts bisheriges Werk hatte ein so minimalistisches Bild vermittelt, eine vollständige Destillation seiner einzigartigen Vision von Bühnenpoesie.

Das Stück ist ein Monolog, normalerweise von etwa 15 Minuten Länge, der blitzschnell ausgespuckt wird, obwohl es im Text keinen Hinweis darauf gibt, wie schnell es gespielt werden soll. Billie Whitelaw wusste instinktiv, als das Stück auf ihrer Fußmatte landete, dass es schnell gehen sollte, genau wie bei ihrem Auftritt in Becketts Spiel am Nationaltheater ein Jahrzehnt zuvor. Diesmal hatte sie den Vorteil, den Dramatiker als Regisseurin zu haben, und die beiden Künstler entwickelten schnell ein Verständnis für die Abkürzung. Seit damals, Nicht ich wurde traditionell mit hoher Geschwindigkeit präsentiert und Lisa Dwan, die es dieses Mal für den Royal Court aufführen wird, kommt mit etwa 9 Minuten ins Spiel und behauptet, es sei die schnellste Lesung aller Zeiten.

Wie bei so vielen von Becketts Schriften korreliert der Inhalt vollständig mit der Form Nicht ich tatsächlich ist Form zu einem großen Teil Inhalt. Der Text des Stücks erweist sich, wenn man ihn studiert, als eine ziemlich geradlinige Geschichte, die wie Spiel ist voll von erkennbaren menschlichen Details, sowohl kohärent als auch emotional mitreißend. Was Beckett von der Aufführung beider Stücke jedoch verlangt, ist eine Spielweise, die den Naturalismus der Situationen untergräbt, einmal eine traurige Geschichte eines einsamen Ausgestoßenen, der ein sprachloses Dasein führt, und einmal eine häusliche Dreiecksbeziehung.

Spiel hat seine drei Charaktere, einen Mann, seine Frau und seine Geliebte, in Begräbnisurnen gelegt, mit einer hochstilisierten Verflechtung von Erzählungen, die von einem umherziehenden Lichtsplitter ausgelöst wird, der zwischen den drei Spielern hin und her huscht. Nicht ich funktioniert ähnlich, aber hier wird der Singleplayer in dem minimalistischsten und auffälligsten Bild, das Beckett verwendet hat, durch einen hell erleuchteten Mund und sonst nichts repräsentiert. Ein flatternder Mund im hinteren Teil einer pechschwarzen Bühne ist ein winziges Bild, auf das sich das Publikum konzentrieren kann. Die Leute berichten manchmal von seltsamen Erfahrungen, die sie beobachten, einige sind davon überzeugt, dass sich der Mund hin und her oder von einer Seite zur anderen bewegt. Tatsächlich ist es an der Stelle verwurzelt. Die Schauspielerin muss festgeschnallt werden, da die kleinste Bewegung dazu führen kann, dass sich der Mund aus dem Nadelstich des Lichts bewegt.

Jeder, dessen einzige Erfahrung mit dem Stück der 1975er Film der Royal Court-Produktion mit Whitelaw ist, erkennt vielleicht nicht, dass es eine andere Figur in dem Stück gibt, obwohl es manchmal auch in Bühnenproduktionen geschnitten wird. Tatsächlich gibt es nur drei Beckett-Stücke mit einem einzigen Charakter – Ein Stück Monolog, Rockaby und Krapps letztes Band, und selbst dann sind die jüngeren Krapps fast Nebenfiguren, während der aufgezeichnete Kommentar von The Woman in Rockaby ähnelt den Offstage-Stimmen von Schritte, damals und das Fernsehen spielt Äh Joe. In Nicht ich, ein „Auditor“ in schwarzer Kapuzen-Kapuze lauert schwach beleuchtet rechts unten auf der Bühne und hebt bei jeder Pause im Monolog die Arme. Die Präsenz dieser Figur ist vielleicht noch mysteriöser als das zentrale Bild des Mundes selbst. James Knowlson, in seiner maßgeblichen Biographie von Beckett, Zum Ruhm verdammt, zitiert eine Frau, die in Nordafrika an einer Wand lehnt, als Hauptinspiration für den Auditor, erinnert sich aber auch daran, wie Beckett ihm sagte, dass Caravaggios Decollation of St. John the Baptist in der Kathedrale von Valletta zu dem Bild beigetragen habe. Es ist nicht verwunderlich, dass der Meister des Hell-Dunkels einen Dramatiker beeinflusst, der in Bühnenwerken wie große Hell-Dunkel-Bilder schafft Schritte, Ohio improvisiert und Ein Stück Monolog ebenso gut wie Nicht ich.

Einer von Becketts größten Einflüssen während seiner gesamten Karriere war Dantes Divina Commedia und seine Charaktere ähneln oft den unglücklichen Sündern des Infernos und des Purgatorio, gefangen in einer moralischen Wildnis und bestraft von einem gleichgültigen Universum. Nicht ich's Mouth ist wie einer der Köpfe, die in den gefrorenen Cocytus-See eingebettet sind, auf den Dante und Virgil in XXXII des Infernos treffen.

Neil Jordans Film von Not I mit Julianne Moore.

Die Geschichte, die der Mund erzählt, handelt von einer alten Dame, die aus der normalen Gesellschaft ausgeschlossen wurde und nicht in der Lage ist, sich durch Sprache auszudrücken, außer bei einigen Gelegenheiten in ihrem Leben, bei denen sie unwillkürlich Worte erbricht. Die Ironie dieser sprachlosen Existenz ist, dass Beckett diese seltenen Momente der Geschwätzigkeit als Medium nutzt, um ihre missliche Lage zu erkunden. Der Monolog ist ein unterbrochener Strom der Bewusstlosigkeit, der in zyklischen Mustern Bilder von Hilflosigkeit und Verwirrung wiederholt. Die Sprache ist dicht und wie immer bei Beckett duftend nach tiefer Bedeutung, aber mit äußerster Sparsamkeit ausgedrückt. Es beginnt mit zweideutigen Bildern der Geburt, die in einer lieblosen Umgebung stattfindet, beides gleichgültige Eltern – ein Vater, der sich in Luft auflöst – und eine abweisende Welt: Das "gottverlassene Loch", das sie beschreibt, ist beides, aus dem sie kommt und der, zu dem sie ausgewiesen wurde. Sie springt ins hohe Alter (davor nichts Bemerkenswertes), als sie in einem Schlüsselblumenfeld eine Art Panne erlebt. Die erste Pause tritt nach einer halben Seite ein, mit einem selbstverleugnenden „Was? . . Wer? . . Nein! . . Sie! . .“ gefolgt von der ersten mysteriösen Bewegung des Auditors. Dies wird von Beckett als „einfaches seitliches Anheben der Arme von den Seiten und ihr Zurückfallen in einer Geste hilflosen Mitgefühls“ beschrieben. Der Satz wird mit abnehmender Kraft wiederholt, bis er bei der dritten Wiederholung später im Stück kaum wahrnehmbar ist (in Anlehnung an die abnehmenden Lichtflecken im Stück von 1976). Schritte).

Mouth, der einzige Name, den sie nennt, beschreibt dann eine Reihe von Vorfällen – ein Einkaufszentrum, in dem sie ins Leere starrt, während ihre Tasche von einer unsichtbaren Hand gefüllt wird, einen Gerichtssaal, in dem sie verurteilt wird, und einen Hügel in Croker’s Acres, ein echtes Leben Ort in Irland, wo sie ihre eigenen Tränen erlebt, die ersten seit ihrer Geburt. Die Erfahrung des Liegens mit dem Gesicht nach unten auf dem Feld und das anschließende Summen in ihrem Kopf und ein aufdringlicher Lichtstrahl, der ihren Verstand verdirbt, kehren immer wieder zurück, um sie zu verfolgen, ebenso wie die Gedanken an ihre Geburt. Nichts von dieser Geschichte, einem typischen Beckett-Szenario, in dem sich ein Außenseiter gegen die gewöhnliche Gesellschaft aufreiht, ist für ein Publikum, das das Stück zum ersten Mal sieht, leicht verständlich. In Höchstgeschwindigkeit als Wortstrom vorgetragen, werden nur bestimmte Phrasen registriert, was ihm ein musikalisches Gefühl verleiht, Themen formuliert, wiederholt und entwickelt.

Wenn es für das Publikum schwierig ist, dem Stück zu folgen, kann die Aufführung des Stücks für die Schauspielerin qualvoll sein. Billie Whitelaw brach in den Proben unter dem Druck zusammen, den Beckett auf sie ausübte, und Jessica Tandy (die die Rolle 1972 in New York ins Leben rief) musste einen Autocue haben, um durch den Text zu kommen (sie spielte auch Winnie in Glückliche Tage, damals ein weiterer enorm anspruchsvoller Monolog). Whitelaw sagt in ihrer Autobiografie, dass sie, auf ihrem Stuhl festgeschnallt, den Kopf in einen Schraubstock gespannt und unter sensorischer Entbehrung durch die Dunkelheit litt, das Gefühl hatte, durch den Weltraum zu fallen. Es kann auch für den Regisseur ein hartes Stück sein, mit einem Probenprozess, der sich selbst von Becketts anderen Stücken unterscheidet. Als Regisseur der Royal Court-Produktion verbrachte Beckett einen großen Teil seiner Zeit damit, Whitelaw durch die Schwierigkeiten hindurch zu pflegen.

In ihrem ausgezeichneten Buch Theater der Schatten: Samuel Becketts Drama 1956-1976, Rosemary Pountney zeichnet die Entwicklung von Becketts wichtigsten Bühnenwerken durch ihre verschiedenen Versionen nach, durch einen Prozess der Überarbeitung und Verfeinerung über lange Zeiträume. Ein faszinierender Einblick in seine Arbeitsweise. Sie spricht von einem Prozess des „Vagierens“, bei dem Beckett eine offenkundige Idee nahm und sie schrittweise zurückzog, bis das, was übrigbleibt, eine perfekte Destillation seiner Vision von Menschlichkeit ist. Pountney sagt: „Das Bild des hektischen Mundes, der Wortmuster wiederholt, wird zu einem visuellen und mündlichen Symbol der menschlichen Zwangslage.“

Pountney spürt nach, was werden sollte Nicht ich zurück zu den sogenannten Kilcool-Fragmenten, einer Reihe von Skizzen, aus denen sich nach und nach die Themen des Stücks herauskristallisieren. Im zweiten der Fragmente gibt Beckett die Einstellung wie folgt an: „Old woman’s face, 4 ft over stage level, leicht außermittig, beleuchtet von starkem Dauerlicht – Körper nicht sichtbar. Bühne im Dunkeln. Nichts sichtbar außer Gesicht.“ Es ist ein Bild, das dem von näher ist Diese Zeit, ein Theaterstück, das Beckett ein paar Jahre nach seiner Fertigstellung geschrieben hat Nicht ich. Es "ein Bruder zu" nennen Nicht ich," er schuf ein weiteres starkes Bild: einen alten Mann, der im Bett liegend gesehen wurde, von oben gesehen, mit weißem Haar, das über dem Kissen ausgebreitet war. Mit Nicht ich er verfeinerte das Bild eines körperlosen Kopfes nur zu einem Mund, einem kühnen und höchst originellen Schritt, der alles außer dem Sprachorgan eliminierte und ein perfektes Symbol für die Notlage des Protagonisten schuf.

Eine weitere Notiz, die Beckett diesen frühen Fragmenten beifügte, die fast ein Jahrzehnt zuvor geschrieben wurden Nicht ich, ist eine letzte Anweisung, die "Gespräche von sich selbst in der dritten Person" lautet. Dies wird Mouths prägendes Merkmal, was Beckett als ihre „vehemente Weigerung, die dritte Person aufzugeben“, beschreibt. Sie ist nicht in der Lage, die Person, von der sie spricht, als sich selbst zu sehen, was an Winnies Unfähigkeit erinnert, die wahre Natur ihres Dilemmas in zu erkennen Glückliche Tage.

Die Produktion, die im Mai am Royal Court zu sehen sein wird, gibt es seit 2005, als sie im Battersea Arts Center in einer brillanten Produktion von Natalie Abrahami aufgeführt wurde. Seitdem ist es in der South Bank und im letzten Jahr beim ersten Enniskillen Beckett Festival zu sehen. Bei BAC wurde auf den Auditor verzichtet, da das Stück direkt an eine ebenso großartige Darbietung von Spiel. Der Mund befand sich hoch in der Decke des Theaters, unterschied sich aber in den meisten Punkten nicht radikal von Becketts ursprünglicher Vision. Regisseure spielen auf eigene Gefahr mit Becketts präzisen Anweisungen. Abweichungen von seinen Regieanweisungen können nicht nur den Zorn des Beckett-Anwesens schwächen, wie Deborah Warner feststellte, als sie sich „öffnete“. Schritte im West End im Jahr 1994, aber es droht auch ein Scheitern. Warners mutiger Versuch, sich von dem klaustrophobischen, beengten Lichtstreifen, den Beckett spezifizierte, zu entfernen, gelang nicht, eine praktikable alternative Vision zu schaffen. Peter Brooks Minimalist Rockaby, in dem Kathryn Hunter auf einem gewöhnlichen Küchenstuhl, den sie selbst gekippt hatte, zu Tode schaukelte, anstatt auf dem aufwendigen mechanisierten Schaukelstuhl, den Beckett verlangt, war erfolgreicher.

Neil Jordan Regie Nicht ich für das Fernsehen als Teil des Channel 4-Gesamtwerks im Jahr 2000, als er sich radikal vom Film von 1975 verabschiedete. Obwohl Julianne Moore zu sehen ist, wie sie sich in Position bewegt, lag der Fokus immer noch auf dem Mund, hier eine eindeutig junge, glamouröse Frau mit Hollywood-Zähnen und Lippenstift in einer Interpretation, die den erbärmlichen Zustand der Figur widerlegte, und wie bei Warners Schritte, es gelang nicht, die Essenz von Becketts Absichten zu erfassen.

Wenn die Distanz zu Becketts Tod wächst, werden Regisseure möglicherweise mutiger, neue Wege zu finden, seine Arbeit zu präsentieren. Es wird jedoch ausgeführt, Nicht ich hat eine düstere und anspruchsvolle Theatralik, die nicht vermieden werden kann. Es ist schwierig für das Publikum, selbst wenn es mit dem Text vertraut ist, wegen der hohen Konzentration, die erforderlich ist, um den Worten zu folgen. Wie Rosemary Pountney sagt, sind Becketts „Stücke überzeugend, weil sie das Publikum zwingen zu arbeiten, anstatt sich zurückzulehnen und auf Unterhaltung zu warten.“

Nach nur neun Minuten Nicht ich allein macht kaum einen ganzen Theaterabend aus, aber der Royal Court wird es zusammen mit einem Film zeigen, in dem Billie Whitelaw über das Stück spricht und anschließend mit Lisa Dwan und Gästen diskutiert wird. Da Beckett mehr in seinem kurzen Playlet verdichtet, als die meisten Dramatiker in drei Akten ausdrücken, wird es viel zu erzählen geben.

Hauptbild von Allan Titmuss.

Samuel Becketts Not I wird von Lisa Dwan im Barbican im Rahmen ihrer Internationalen Beckett-Saison vom 2. bis 7. Juni 2015 aufgeführt.


Geschichte

In der Antike musste eine Brücke lediglich Festigkeit und Funktion bieten. Wenn es im Angesicht eines herannahenden Feindes verbrannt wurde, konnte es schnell wieder aufgebaut werden. Da die soziale und kommerzielle Interaktion der Menschheit zunahm, erforderten Brücken Beständigkeit und ein gewisses Maß an Sparsamkeit beim Bau.

Ästhetische Verdienste werden von der modernen Brücke verlangt und wurden tatsächlich gefordert, als 1999 der Spanier Santiago Calatrava mit dem Entwurf einer Statement-Brücke für das aufstrebende Dublin Docklands-Hub beauftragt wurde. Tatsächlich reichte er zwei Entwürfe ein. Die erste war eine geometrische Interpretation des Menschen, der über dem Fluss saß, seine ausgestreckten Arme gen Himmel streckte und den Kopf wie zur Ehrerbietung gesenkt hatte. Das zweite war ein asymmetrisches Design einer irischen Harfe, die auf der Seite lag und dem Rat als bloße Skizze vorgelegt wurde. Es wurde sofort als Meisterwerk erkannt.

Luftaufnahme der Docklands (um 1955)

&Kopie der irischen Nationalbibliothek

Obwohl die Entstehung der Brücke im Masterplan von 1997 für das Gebiet zu finden ist, begannen die Arbeiten im April 2007 nach der Entwicklung des Entwurfskonzepts von Calatrava durch die Berücksichtigung der Umweltverträglichkeitserklärung und die Ernennung der Joint-Venture-Auftragnehmer , Graham-Hollandia. Kein Detail war zu klein, um überlegt zu werden. Das Schicksal der eleganten Schwäne und der Lachse und Aale, die diesen Abschnitt der Gewässer der Liffey bevölkern und durchqueren, wurde eingehend untersucht und Schutzmaßnahmen ergriffen.

Der souveräne Stahlüberbau mit seinem hoch aufragenden Pylon wurde in Rotterdam gefertigt. Ursprünglich war geplant, die drei einzelnen Brückenabschnitte zur Montage vor Ort nach Dublin zu transportieren. Eine höhere Verarbeitungsqualität und Kosteneffizienz wurden jedoch durch die Montage in Rotterdam erzielt. Seine 628 Meilen lange Reise nach Dublin im Mai 2009 wurde weltweit eifrig verfolgt. Stündliche Social-Media-Updates berichteten über den Fortschritt des Lastkahns mit seiner auffälligsten Fracht über den Kanal, um Land’s End, entlang der Ostküste Irlands und schließlich in die Dublin Bay. Sicher nach Hause geliefert, wurden die Arbeiten an der Brücke zügig fortgesetzt und sie wurde am 10. Dezember 2009 vorzeitig der Öffentlichkeit zugänglich gemacht.

Die Samuel Beckett Bridge wurde vom Dublin City Council, der Dublin Docklands Authority und dem Department of Environment, Heritage and Culture kofinanziert. Die Kosten einschließlich der Aufrüstung der Zufahrtsstraßen beliefen sich auf 60 Millionen Euro. An der Eröffnungszeremonie am 10. Dezember 2009 nahmen Becketts Nichte und Neffe sowie der Nobelpreisträger, der verstorbene Dichter Seamus Heaney, teil.


12 tragikomische Fakten über Samuel Beckett

Samuel Beckett, 1906 in Dublin, Irland, geboren, war ein Dramatiker, Romanautor und Dichter, der über Einsamkeit, Verzweiflung und Vergeblichkeit schrieb. Beckett schrieb sowohl auf Englisch als auch auf Französisch und nutzte schwarzen Humor, um den menschlichen Zustand zu erforschen. Er starb 1989 im Alter von 83 Jahren, aber zu seinem Geburtstag gibt es hier ein Dutzend Fakten über sein Leben und Werk

1. BECKETT MACHTE LITERARISCHE REGELN, INDEM SIE BÜCHER OHNE ZEICHEN UND GRUNDSTÜCK SCHREIBEN.

Beckett gilt als einer der letzten Modernisten oder manchmal als erster Postmodernist und schrieb Romane und Theaterstücke mit minimalen Charakteren, Handlung und Kulissen. Als „Theater des Absurden“ bezeichnete Becketts Stücke – wie sein berühmtestes, Warten auf Godot-pessimistisch den menschlichen Zustand als einen hoffnungslosen und bedeutungslosen darstellen. Die minimalen Charaktere und die Handlung spiegeln diese düstere Sicht des Lebens wider.

2. ER FREUNDE SICH MIT JAMES JOYCE, ABER DIE BEIDEN SCHRIFTEN FALLEN AUS.

In den späten 1920er Jahren arbeitete Beckett in Paris als Assistent des Schriftstellers James Joyce und half ihm bei der Transkription und Recherche für Joyces Roman Finnegans Wake. Beckett bewunderte Joyce sehr und veröffentlichte 1929 einen Aufsatz, in dem er Joyces Werk verteidigte. Joyces Tochter Lucia war in Beckett verknallt, aber er erwiderte ihre Gefühle nicht, und die unerwiderte Liebe zerstörte angeblich die Freundschaft zwischen Joyce und Beckett.

3. ER LIEBTE SPORT ZU SPIELEN UND ZUSCHAUEN …

Als Schüler eines Internats in Nordirland war Beckett ein talentierter Cricketspieler. Als er 20 Jahre alt war, spielte er sogar ein paar Spiele für den Dublin University Cricket Club. Aber seine Liebe zum Sport beschränkte sich nicht nur auf Cricket. Beckett war auch ein lebenslanger Tennisfan, der Tennismatches im Fernsehen spielte und ansah.

4. … UND SEINE SCHRIFT INSPIRIERT DAS TATTOO EINES TENNISSTARS.

Der Schweizer Tennisspieler Stanislas Wawrinka hat die Favoriten Rafael Nadal und Novak Djokovic geschlagen und die Australian Open 2014 bzw. die French Open 2015 gewonnen. Um sich auf dem Platz inspiriert zu fühlen, schaut Wawrinka auf die Innenseite seines linken Unterarms, auf dem Becketts Worte aus seiner Novelle von 1983 eintätowiert sind Schlimmste Ho: "Jemals versucht. Jemals gescheitert. Egal. Versuchen Sie es nochmal. Wieder fehlgeschlagen. Besser scheitern.“ Wawrinka erzählte Der Wächter, „Ich habe das Zitat vor langer Zeit zum ersten Mal gesehen. Es ist mir immer in Erinnerung geblieben. So sehe ich das Leben und das Tennis.“

5. UNTERNEHMER LIEBEN DIESES ZITAT AUCH.

Mit dem Aufkommen der Startup-Kultur haben Unternehmer nach prägnanten Zitaten gesucht, die schnelle Ratschläge und Motivation bieten. Becketts Worte aus Schlimmste Ho-"Jemals versucht. Jemals gescheitert. Egal. Versuchen Sie es nochmal. Wieder fehlgeschlagen. Fail better.“ – sind ironischerweise zu einem beliebten Motivationszitat geworden. Obwohl Beckett mehr auf Nihilismus als auf Selbsthilfe ausgerichtet war, haben sich Unternehmer wie Richard Branson und Tim Ferriss auf Becketts Zitat „Fail better“ bezogen.

6. ER FAHRE ANDRÉ DEN RIESEN MIT EINEM GROSSEN LKW ZUR SCHULE.

In den 1950er Jahren lebte Beckett in einem Weiler in Frankreich und freundete sich mit einem Nachbarn, Boris Roussimoff, an. Weil Roussimoffs 12-jähriger Sohn André Gigantismus hatte, konnte der Junge nicht zur Schule kommen – er passte weder in den Schulbus noch ins Auto. Weil Beckett einen Pickup hatte, fuhr der Schriftsteller André zur Schule. Die beiden unterhielten sich über Cricket und André wurde später ein professioneller Wrestler und Schauspieler (er ist am besten dafür bekannt, Fezzik in zu spielen). Die Prinzessin Braut).

7. ER FÜHLTE, DASS ER NIE GEBOREN WURDE.

Nachdem sein Vater 1933 gestorben war, litt Beckett unter Nachtangst, Magenschmerzen und Depressionen. Er wurde zwei Jahre lang Patient von Wilfred Bion, einem britischen Psychoanalytiker. Während dieser Zeit besuchte er einen Carl Jung-Vortrag, in dem Jung über ein Mädchen sprach, das nie wirklich geboren wurde, eine Idee, mit der sich Beckett identifizierte. Berichten zufolge erzählte er engen Freunden, dass er genauso empfindet, und ein Großteil seiner Arbeit beschäftigt sich mit Themen der Entfremdung, des Existentialismus und der Leere.

8. ER VERLIEBT SICH IN SEINE ZUKÜNFTIGE FRAU, NACHDEM ER VON EINEM ZUHÄLTER ERSTICKT WURDE.

Im Januar 1938 stach ein Zuhälter auf einer Pariser Straße auf Beckett ein, durchbohrte seine Lunge und verletzte ihn schwer. Eine Tennisbekannte von Beckett, Suzanne Dechevaux-Dumesnil, hörte von dem Angriff und besuchte Beckett während seines zweiwöchigen Aufenthalts regelmäßig im Krankenhaus. Er und die sechs Jahre ältere Suzanne verliebten sich ineinander, lebten viele Jahre zusammen und heirateten schließlich 1961. Sie starb im Juli 1989, und er starb wenige Monate nach seiner Frau im Dezember 1989.

9. ER KÄMPFT GEGEN DIE NAZIS ALS TEIL DES FRANZÖSISCHEN WIDERSTANDS.

Im Zweiten Weltkrieg nahm Beckett am französischen Widerstand teil, um gegen die Nazi-Besatzung Frankreichs zu kämpfen. Als er Dokumente übersetzte und seine Wohnung als Informationsablage benutzte, riskierte Beckett die Verhaftung, um die Nazis zu bekämpfen. Nachdem einige seiner Freunde in der französischen Résistance verhaftet wurden, floh er 1942 nach Südfrankreich, half aber weiterhin der Bewegung. Die französische Regierung verlieh Beckett später das Croix de Guerre (Kreuz des Krieges) und die Médaille de la Résistance (Medaille des Widerstands) für seinen Mut.

10. MIT BUSTER KEATON hat er einen seltsamen Film gemacht.

Beckett schrieb sein einziges Drehbuch in den frühen 1960er Jahren und besetzte einen 70-jährigen Buster Keaton in seinem Film namens Film. Erschienen 1965, Film porträtiert Keaton in einer Stadt, die versucht, auf einer Straße an anderen vorbeizueilen, und in einem Raum mit verschiedenen Haustieren und einem einsamen Kunstwerk. Sehr experimentell, Film bekam gemischte Kritiken, und Beckett beschrieb es als einen interessanten Misserfolg.

11. ER GEWANN EINEN NOBELPREIS, WAR ABER NICHT SUPER GLÜCKLICH DARÜBER.

1969 erhielt Beckett für seine innovativen Romane und Dramen den Nobelpreis für Literatur. Als er und seine Frau erfuhren, dass er gewonnen hatte, sagte sie: „Quelle-Katastrophe!“ (Was für eine Katastrophe!), weil sie wusste, dass ihr Mann nicht gerne im Rampenlicht stand. Wegen Becketts Abneigung gegen Ruhm und Öffentlichkeit weigerte er sich, den Nobelpreis persönlich anzunehmen, damit er keine Rede halten musste. Becketts Verleger nahm die Auszeichnung im Namen von Beckett entgegen, und Beckett verschenkte sein Preisgeld hauptsächlich an die Bibliothek seiner Alma Mater, dem Trinity College in Dublin.

12. IN DUBLIN GIBT ES EINE SEHR COOLE BRÜCKE, DIE NACH IHM BENANNT IST.

Im Dezember 2009 waren Becketts Neffe und Nichte bei der Eröffnungszeremonie der Samuel Beckett Bridge in Dublin anwesend. Die Brücke hängt über dem Fluss Liffey und hat eine Reihe von 31 Kabeln, die sie wie eine riesige Harfe aussehen lassen. Die Samuel Beckett Bridge wurde vom Architekten Santiago Calatrava (der auch die nahe gelegene James Joyce Bridge entworfen hat) entworfen und bietet Platz für Auto- und Fußgängerverkehr.


Samuel Beckett: Geschichte, Erinnerung, Archiv

Dr. Kennedy ist unter den untenstehenden Koordinaten erreichbar, kann aber auch über seinen persönlichen Account erreicht werden: sean.kennedy347 [at] gmail.com. Er freut sich von Ihnen zu hören.

Dr. Sean Kennedy (Contemporary Europe, Frankreich) trat der Abteilung 1999 bei. Er hat einen Ph.D. von der York-Universität. Er lehrt auf dem Gebiet der modernen europäischen Geschichte, darunter Kurse zur Französischen Revolution, European Imperiali Dr. Kennedy ist unter den untenstehenden Koordinaten erreichbar, aber auch unter seinem persönlichen Account erreichbar: sean.kennedy347 [at] gmail.com. Er freut sich von Ihnen zu hören.

Dr. Sean Kennedy (Contemporary Europe, Frankreich) trat der Abteilung 1999 bei. Er hat einen Ph.D. von der York-Universität. Er lehrt auf dem Gebiet der modernen europäischen Geschichte, unter anderem über die Französische Revolution, den europäischen Imperialismus, den Zweiten Weltkrieg und den Kalten Krieg. Dr. Kennedy wurde in einem Video über "Transformative Teaching" vorgestellt.

Dr. Kennedys Hauptforschungsinteresse gilt der politischen und geistigen Geschichte Frankreichs des 20. Jahrhunderts. Sein besonderes Interesse gilt der Entwicklung rechtsextremer politischer Bewegungen in der Zwischenkriegszeit. Er veröffentlichte Reconciling France against Democracy: The Croix de Feu and the Parti Social Français (Montreal und Kingston: McGill-Queen's University Press, 2007) sowie Artikel über die französische Rechtsaußenseite in den Zeitschriften French Historical Studies, French History, und Historische Reflexionen/Reflexions historiques. Sein jüngstes Buch The Shock of War: Civilian Experiences, 1937-1945 erschien 2011 bei der University of Toronto Press.

Dr. Kennedys jüngstes Forschungsprojekt, das von einem SSHRC Standard Research Grant (2003-2006) unterstützt wurde, untersucht die Rolle des französischen Intellektuellen André Siegfried bei der Gestaltung der französischen Wahrnehmung internationaler Trends und insbesondere der englischsprachigen Nationen während des ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Er hat Artikel über Siegfried in The Journal of the Canadian Historical Association, Historical Reflections/Réflexions historiques und French Politics, Culture and Society veröffentlicht. Dr. Kennedy hat auch auf Konferenzen in Kanada, Frankreich, Großbritannien und den Vereinigten Staaten Vorträge gehalten und Bücher für H-France, H-Diplo (H-Net Reviews), European History Quarterly, Modern and Contemporary France, Das Canadian Journal of History und Left History. . mehr


Samuel Beckett, der Meister des Scheiterns

Vor 50 Jahren, im Sommer 1966, schrieb Samuel Beckett eine Kurzgeschichte namens Ping. Es beginnt:

Alle bekannten alle weißen nackten weißen Körper befestigt einen Meter Beine wie genäht verbunden. Helle Hitze, weißer Boden, ein sicherer Hof, der noch nie gesehen wurde. Weiße Wände ein Meter mal zwei weiße Decken ein Quadratmeter nie gesehen. Der bloße weiße Körper fixierte nur die Augen nur knapp. Spuren verwischt hellgrau fast weiß auf weiß. Hände hängen Handflächen vorne weiße Füße Fersen im rechten Winkel zusammen. Leichte, wärmeweiße Flächen, die weiß glänzen, blanker weißer Körper, der an anderer Stelle einen Ping-Ping fixiert hat.

Als ich es das erste Mal las, erinnerte es mich an den gesangartigen Rhythmus der Schiffsvorhersage des BBC-Radios: ein hypnotischer Fluss von Wörtern, deren Bedeutung zunächst völlig unklar ist. Aber durchhalten und Muster entstehen: „mäßig oder gut, später manchmal schlecht“/„weiße Wände“, „ein Quadratmeter“, „weiße Narben“. In beiden Fällen stellen wir schnell fest, dass wir uns in einem System von Wörtern befinden, die sehr definierte Aufgaben erfüllen, die jedoch nur von Eingeweihten verstanden werden. Aber während die Auslotung der Versandprognose relativ schnell erreicht werden kann, ist der Einstieg in das Wortsystem, mit dem Beckett Mitte der 1960er Jahre arbeitete, komplizierter, nicht zuletzt, weil das System korrumpiert war, ein Fehlschlag, wie alle Systeme, die Beckett währenddessen entwickelt hat seine lange Karriere.

Eine Seite aus Becketts Notizbüchern. Der Text lautet: „Was ist mein Leben außer der Vorliebe für den Ingwerkeks?“ Foto: Sotheby's/PA

Beckett kam zu der Überzeugung, dass Scheitern ein wesentlicher Bestandteil der Arbeit eines jeden Künstlers sei, auch wenn es ihre Verantwortung blieb, zu versuchen, erfolgreich zu sein. Seine bekanntesten Ausdrucksformen dieser Philosophie erscheinen am Ende seines 1953 erschienenen Romans The Unnamable – „… you must go on. Ich kann nicht weitermachen. Ich mache weiter“ – und in der Geschichte Worstward Ho von 1983 – „Immer versucht. Jemals gescheitert. Egal. Versuchen Sie es nochmal. Wieder fehlgeschlagen. Besser scheitern.“

Beckett hatte schon viele künstlerische Misserfolge erlebt, als er daraus eine Poetik entwickelte. Niemand war bereit, seinen ersten Roman Dream of Fair to Middling Women zu veröffentlichen, und das Buch mit Kurzgeschichten, das er daraus rettete, More Pricks Than Kicks (1934), verkaufte sich katastrophal. Die Sammlung, die Becketts Spiegelbild Belacqua Shuah (SB/BS) in Dublin über eine Reihe sexueller Missgeschicke folgt, bietet brillante Momente, ist eine herausfordernde und frustrierende Lektüre. Vollgestopft mit Anspielungen, trickreicher Syntax und obskurem Vokabular, muss seine Prosa wie ein Dornenbusch durchgehackt werden. Wie der Erzähler die Hochzeitsrede einer Figur anmerkt, ist sie „eher zu dicht gedrängt, um das allgemeine Wahlrecht zu erlangen“.

Während dieser Zeit blieb Beckett stark unter dem Einfluss von James Joyce, dessen Kreis er Ende der 20er Jahre in Paris schloss. Als Beckett seinem Londoner Redakteur eine Geschichte vorlegte, bemerkte er unbekümmert, dass sie „nach Joyce stinkt“, und er hatte Recht. Vergleichen Sie einfach seine: „Und bei der heiligen Fliege würde ich Ihnen nicht empfehlen, mich zu fragen, unter welcher Baumklasse sie waren, als er seine Hand auf sie legte und das genoss. Die Oberschenkelfreude durch die Finger. Was will sie für ihre Oberschenkelschönheit?“ mit diesem von Ulysses: "Sie ließ plötzlich im Abprall ihr eingeklemmtes elastisches Strumpfband klatschwarm gegen den warmhosen Oberschenkel ihrer schmatzenden Frau los."

Beckett war Ende 20 und Anfang 30 steuerlos (was er sich dank der Beihilfe, die er nach dem Tod seines Vaters erhielt, gerade noch leisten konnte). Er wanderte einen Großteil der 1930er Jahre umher, nachdem er einen Lehrstuhl am Trinity College in Dublin verlassen hatte. Er kehrte nach Paris zurück, zog dann nach London, wo er den Roman Murphy schrieb und sich einer Kleinschen Psychoanalyse unterzog. Er tourte durch Deutschland und ließ sich 1937 in Paris nieder, wo er bis zu seinem Tod 1989 lebte. Während des Zweiten Weltkriegs schloss er sich dem Widerstand an, floh vor der Verhaftung aus Paris und lebte ärmlich in Roussillon. Diese Wanderjahre, Kriege und Not prägten den Charakter seines späteren Werks. 1945 arbeitete er in einem Rotkreuz-Krankenhaus in Saint-Lô und schrieb einen Aufsatz über die Ruinen der Stadt, die „in einer Nacht ausgebombt“ wurden, und beschrieb „dieses Universum wird provisorisch“. Versionen dieser von Ruinen übersäten Landschaft und der Umgebung nach einer Katastrophe würden die Umgebung und die Atmosphäre vieler seiner späteren Arbeiten charakterisieren.

Obwohl Beckett vor dem Krieg einige Gedichte auf Französisch geschrieben hatte, entschloss er sich in der Folgezeit, sich ganz der Sprache zu verschreiben, „weil es auf Französisch einfacher ist, ohne Stil zu schreiben“. Diese Entscheidung und sein Wechsel zur Ich-Stimme führten zu einer der erstaunlichsten künstlerischen Transformationen in der Literatur des 20 , in den vier langen Geschichten, die er 1946 innerhalb weniger Monate schrieb. The Expelled, The Calmative und The End, und in geringerem Maße auch First Love (die Beckett, immer sein eigener schärfster Richter, für viele als minderwertig und unterdrückt betrachtete) Jahre), beschreiben den Abstieg ihrer namenlosen Erzähler (möglicherweise des gleichen Mannes) von der bürgerlichen Seriosität in Obdachlosigkeit und Tod.

Wir erleben eine Reihe von Zwangsräumungen: aus dem Haus der Familie, irgendeiner Anstalt, Hütten und Ställen, Kellern und Bänken. Es besteht der nagende Verdacht, dass die anfängliche Vertreibung in jeder Geschichte eine Form der Geburt ist, die oft gewalttätig charakterisiert wird. (Im Roman Watt wird die Geburt eines Charakters als sein „Auswurf“ in Waiting for Godot beschrieben, Pozzo sagt, dass die Geburt „auf einem Grab“ stattfindet.) Diese Reisen werden zu Stellvertretern für die Reise, die wir durch das Leben unternehmen, wie Beckett sie wahrnimmt : verwirrt, ungeordnet und provisorisch, mit nur kurzen Atempausen von einem allgemeinen Streit. In der letzten Szene von The End ist der Erzähler an ein leckendes Boot gekettet, sein Leben scheint zu versiegen. Es ist die monumentale Düsterkeit von Werken wie diesen (oft durchzogen von Scherben scharfen Humors), über die Harold Pinter in einem Brief von 1954 schrieb, als er Beckett als „den mutigsten, erbarmungslosesten Schriftsteller, der geht, und je mehr er mahlt“ bezeichnete meine Nase in der Scheiße, desto dankbarer bin ich ihm“.

Samuel Beckett 1964 in New York am Set von Film, seinem Kurzfilm mit Buster Keaton. Foto: IC Rapoport/Getty Images

Nach den vier Geschichten geriet Beckett mit den Texten für nichts (1955) in eine Sackgasse. In diesen kurzen, nummerierten Stücken steht die Sprache kurz vor dem Zusammenbruch. Die Verachtung, mit der Worte gehalten werden, lässt sich mit dem Satz „der Kopf und sein Anus der Mund“ aus #10 zusammenfassen. In #11 ist ein Krisenpunkt erreicht: „Nein, nichts ist benennbar, sag, nein, nichts kann gesagt werden, was dann, ich weiß nicht, ich hätte nicht anfangen sollen.“ Hier ist die Verspieltheit der Drei Dialoge und der gequälte Mut von The Unnamables „I’ll go on“ in Hoffnungslosigkeit versauert.

Discussing his writing in the early 60s, Beckett described a process of “getting down below the surface” towards “the authentic weakness of being”. Failure remained unavoidable because “[w]hatever is said is so far from the experience” that “if you really get down to the disaster, the slightest eloquence becomes unbearable”. Thus, the narrowing of possibilities that the Texts for Nothing describe leads into the claustrophobia of the “closed space” works of the 1960s. Beginning with the novel How It Is (1961), told by a nameless man lying in darkness and mud, and continuing with All Strange Away (1964), Imagination Dead Imagine (1965) and the aforementioned Ping, Beckett describes a series of geometrically distinct spaces (cubes, rotundas, cylinders) where white bodies lie, or hang, singly or in pairs. Beckett had reread Dante, and something of his Hell and Purgatory characterises these claustrophobic spaces. The language with which they are described is so fragmented that it is difficult to orient ourselves: we are in a system of words where multiple paths of meaning branch from every sentence, not on the level of interpretation but of basic comprehension. Take for example the opening line of Imagination Dead Imagine:

No trace anywhere of life, you say, pah, no difficulty there, imagination not dead yet, yes, dead good, imagination dead imagine.

Does the “you say” look back to “No trace anywhere ”, or does it anticipate “pah, no difficulty there”? As Adrian Hunter writes:

What punctuation there is has the effect not of assisting interpretation but of further breaking down any chain of meaning in the language. A simple orientational phrase like “you say” hovers uncertainly between its commas instead of securing the speech acts that surround it, it operates as a kind of revolving door by which one both exits and enters the various semantic fields in the passage.

In Beckett’s next work, Enough (1965), he abandoned both the first person and the comma (only a handful are found in all of his later prose), his sentences becoming terse as bulletins, short afterthoughts (“modifier after modifier”, in one description) typically consisting of mono- or disyllabic words, that try – and fail – to clarify whatever image or sensation he is attempting to express. Hugh Kenner has written memorably of this phase that Beckett:

Seems unable to punctuate a sentence, let alone construct one. More and more deeply he penetrates the heart of utter incompetence, where the simplest pieces, the merest three-word sentences, fly apart in his hands. He is the non-maestro, the anti-virtuoso, habitué of non-form and anti-matter, Euclid of the dark zone where all signs are negative, the comedian of utter disaster.

Kenner’s evaluation echoes Beckett’s own words from a 1956 New York Times interview, when he contrasted his approach with that of Joyce: “He’s tending towards omniscience and omnipotence as an artist. I’m working with impotence, ignorance”. The impasse reached in the Texts for Nothing continues in a story like Lessness (1969), which actually runs out of words: the second half of the text simply duplicates the first half with the words reordered, leaving us, in JM Coetzee’s description, with “a fiction of net zero on our hands, or rather with the obliterated traces of a consciousness elaborating and dismissing its own inventions”.

Strategies like these make navigating Beckett’s work even more challenging for the reader, to the degree that some critics decided pointlessness was its very point. In the case of Ping, this position is strongly rebutted in a 1968 essay by David Lodge. While acknowledging that it is “extraordinarily difficult to read through the entire piece, short as it is, with sustained concentration”, the words soon beginning to “slide and blur before the eyes, and to echo bewilderingly in the ear”, he concludes that “the more closely acquainted we become with Ping, the more certain we become that it does matter what words are used, and that they refer to something more specific than the futility of life or the futility of art.”

Beckett’s closed-space phase culminates in The Lost Ones (1970), a nightmarish vision of a sealed cylinder inside which “fugitives” circulate until futility or death overcomes them. The Lost Ones updates Dante into what one reviewer called “the art of a gas-chamber world”. It is written at an anthropological remove, the cylinder described in punishing detail, and at punishing length. For all the clarity of its language compared with Ping or Lessness, it is the most forbidding of his shorter prose works.

It was almost a decade before any more significant short prose emerged, but when it did another shift had taken place. The terrifying closed spaces were collapsed and gone, replaced by the twilit grasslands of Stirrings Still (1988), or the isolated cabin, “zone of stones” and ring of mysterious sentinels in Ill Seen Ill Said (1981). Language remains problematic, but a level of acceptance has been reached. The phrase “what is the wrong word?” recurs in Ill Seen Ill Said, as if to say: “Of course language is insufficient, but approximation is better than nothing”:

Granite of no common variety assuredly. Black as jade the jasper that flecks its whiteness. On its what is the wrong word its uptilted face obscure graffiti.

In these stories, written in the final decade of Beckett’s life and in which stylised settings blend with autobiographical material, often from his childhood, he seems to deliver us to the source of his creativity, to the moment where an idea sparks in the conscious mind. The terrain and structures of Ill Seen Ill Said seem to come into existence at the very moment we read them. “Careful,” he writes, tentatively bringing his creation into the world as if guarding a match flame:

The two zones form a roughly circular whole. As though outlined by a trembling hand. Diameter. Careful. Say one furlong.

It is an irony of Beckett’s posthumous reputation that his plays are now far better known than his prose, although he considered the latter his primary focus. That he wrote some of the greatest short stories of the 20th century seems to me an uncontroversial claim, yet his work in this genre is comparatively obscure. Partly this is a problem of classification. As one bibliographical note puts it: “The distinction between a discrete short story and a fragment of a novel is not always clear in Beckett’s work.” Publishers have colluded in this confusion: as evidence of the British phobia of short stories goes, it’s hard to beat John Calder’s blurbing of the 1,500-word story Imagination Dead Imagine as “possibly the shortest novel ever published”. Then too there are examples such as William Trevor’s exclusion of Beckett from the 1989 Oxford Book of Irish Short Stories for the nonsense reason that he expressed his ideas “more skilfully in another medium”, or Anne Enright excluding him from her own selection for Granta.

I suspect the real problem with Beckett’s short fiction is its difficulty, and that his greatest achievements in the form do not comply with what some gatekeepers suppose to be the genre’s defining traits. Unfortunate as the resulting neglect might be, this is a fitting position to be occupied by a writer who consistently struggled to develop new forms. If the history of the short story were mapped, he would belong in a distant region. The isolation would not matter. “I don’t find solitude agonising, on the contrary”, he wrote in a letter of 1959. “Holes in paper open and take me fathoms from anywhere.”


Abschluss

20 This essay meditates on some of the ways in which Beckett’s theatre explores the spatial and temporal interface between the body and things: exploring the perceiving subject as sensible material while expanding our perception to consider the place of the human in a dysfunctional creation, revealing palimpsestic layers of history where blindness or blinkered vision has piled up heaps of bones: “Where are all these corpses from?” Yet Beckett also returns to the bones their voice or their echo: “all the dead voices / they make a noise like wings / like leaves / like sand / like leaves” (Beckett 1986, 58). Like Sofer’s props, things in Beckett’s theatre have a phenomenal life and also reincarnate the remains of history. The body in Beckett’s later theatre is radically denaturalised and rematerialised in a more abstract form, between the visible and the invisible, the sensible and the material, while things such as the tape recorder, rocking chair or lamp, become expressive of a non- psychologized being: an exchange of flesh Merleau-Ponty might say between the embodied human world and the world of things.


Samuel Beckett - History

'"A good thing about hope": Doggerelizing Chamfort and the mirlitonnades.'

Dr Suzanne Dow (University of Nottingham)
'Lacan with Beckett'

Dr John Bolin (Linacre College, University of Oxford)
‘Watt’s Voices’

Dr Peter Fifield (University of York)
'Spirochete! Syphilitic Fathers in Beckett and Georges Bataille'

Dr Catherine Laws (Orpheus Research Centre in Music, Ghent, Belgium)
'Beckett’s Schuberts: Vocality and Imagination'

Dr Nina Power (Roehampton University)
'Stony Ground but not entirely: Beckett and the Humanities'

Dr Erik Tonning (Regents Park College, University of Oxford)
'Theodicy and the Re-invention of Nature: From William Paley to Samuel Beckett'

Dr Daniel Katz (University of Warwick)
'"Where now?" Samuel Beckett, Robert Smithson and the Local'

Dr Russell Smith (Australian National University, Australia)
'Beckett's Psychology Notes and the Influence of Anxiety'

Prof. Marjorie Perloff (Stanford University, USA)
'Beckett in the Country of the Houyhnhnms: The Response to Swift'

Dr Erik Tonning (Regents Park College, University of Oxford)
'Beckett's Unholy Dying: From Malone Dies to The Unnamable'

Prof. Chris Ackerley (University of Otago, New Zealand)
'Delight in swine’s draff: Samuel Beckett and the Art of Annotation'

Dr Rina Kim (University of Warwick)
'Beckett’s Happy Days und Film: A Kleinian Approach via Karin Stephen'

Dr Kathryn White (University of Ulster)
'‘It seemed to me that all language was an excess of language’: Minimalism, Reductionism and the Legacy of Nothingness'

Dr Anthony Cordingley (Université Paris 8)
'Pim’s Paideia: ethics in the kosmos, Beckett's How It Is'

Dr Shane Weller (University of Kent)
'Speaking of the ‘So-Said Mind’: Beckett after Psychoanalysis / Psychoanalysis after Beckett'

Prof. John Pilling (University of Reading)
‘Two Deltas and an Enueg: Beckett's Montale’

Sean Lawlor (University of Reading)
‘Beckett, MacGreevy and the Stink of Joyce’

Dr Ulrika Maude (Durham University)
‘“Material of a Strictly Peculiar Order”: Beckett, Phenomenology and Perception’

Prof. Peter Murphy (Thompson Rivers University, Canada)
‘Incorporating Joyce in Beckett's Post-Trilogy Works: Some Minor, Major and Problematical Instances’

Prof. Lois Oppenheim (Montclair State University, USA)
‘“The bubble on the puddle”: Samuel Beckett's Legacy to the Understanding of Creativity’

Dr Ashley Taggert (IES, Dublin)
‘Paying Lip Service to Silence: Beckett and Surrealism: Maeterlink and Beckett’

Dr Rosemary Pountney (St Anne's College, University of Oxford)
‘Some Reflections on Pinter and Stoppard and their Relationship to Beckett’

Dr Geert Lernout (University of Antwerp, Belgium)
“The Erudition of James Joyce and Samuel Beckett”

Dr Mark Nixon (University of Reading)
“Solitude(s) and Creative Fidgets: Beckett Reading Rainer Maria Rilke”

Dr Shane Weller (University of Kent)
“Seeing Oneself in Another: Beckett, Maurice Blanchot, and the problem of literary affinity”

Prof. Mary Bryden (University of Cardiff)

Dr Seán Kennedy (National University of Ireland, Galway)
“Abortion and Infanticide in Beckett and W.B. Yeats”

Dr Peter Boxall (University of Sussex)
“Backroads: Beckett, John Banville and Ireland”

Dr Chris Ackerley (University of Otago, New Zealand)
“Samuel Beckett and Anthropomorphic Insolence”

Dr Daniela Caselli (University of Manchester)
“‘And if it happens that I speak of the stars it is by mistake’: Beckett, Dante, and Intertextuality”

Dr Erik Tonning (Lincoln College, University of Oxford)
‘Samuel Beckett versus Christianity’

Dr Julian Garforth (University of Reading)
'Karl Valentin and Samuel Beckett: A Battle With Beautiful Words'


Samuel Beckett and the Politics of Aftermath

“[James McNaughton’s] Samuel Beckett and the Politics of Aftermath explores Beckett’s literary responses to the political maelstroms of his formative and middle years: the Irish civil war and the crisis of commitment in 1930s Europe, the rise of fascism and the atrocities of World War II. Archive yields a Beckett who monitored propaganda in speeches and newspapers, and whose creative work engages with specific political strategies, rhetoric, and events. Finally, Beckett’s political aesthetic sharpens into focus.

Deep within form, Beckett models ominous historical developments as surely as he satirizes artistic and philosophical interpretations that overlook them. He burdens aesthetic production with guilt: imagination and language, theater and narrative, all parallel political techniques. Beckett comically embodies conservative religious and political doctrines he plays Irish colonial history against contemporary European horrors he examines aesthetic complicity in effecting atrocity and covering it up. This book offers insightful, original, and vivid readings of Beckett’s work up to Three Novels and Endgame.”


While You Are Ringing In The Summer, Don't Forget To Remember The Importance Of What We Have Off For.

Home of the free because of the brave.

"The American flag does not fly because the wind moves it. It flies from the last breath of each solider who died protecting it."

On this present day in America, we currently have over 1.4 million brave men and women actively listed in the armed forces to protect and serve our country.

Currently there is an increased rate of 2.4 million retiree's from the US military

Approximately, there has been over 3.4 million deaths of soldiers fighting in wars.

Every single year, everyone look's forward to Memorial Day Weekend, a weekend where beaches become overcrowded, people fire up them grills for a fun sunny BBQ, simply an increase of summer activities, as a "pre-game" before summer begins.

Many American's have forgot the true definition of why we have the privilege to celebrate Memorial Day.

In simple terms, Memorial Day is a day to pause, remember, reflect and honor the fallen who died protecting and serving for everything we are free to do today.

Thank you for stepping forward, when most would have stepped backwards.

Thank you for the times you missed with your families, in order to protect mine.

Thank you for involving yourself, knowing that you had to rely on faith and the prayers of others for your own protection.

Thank you for being so selfless, and putting your life on the line to protect others, even though you didn't know them at all.

Thank you for toughing it out, and being a volunteer to represent us.

Thank you for your dedication and diligence.

Without you, we wouldn't have the freedom we are granted now.

I pray you never get handed that folded flag. The flag is folded to represent the original thirteen colonies of the United States. Each fold carries its own meaning. According to the description, some folds symbolize freedom, life, or pay tribute to mothers, fathers, and children of those who serve in the Armed Forces.

As long as you live, continuously pray for those families who get handed that flag as someone just lost a mother, husband, daughter, son, father, wife, or a friend. Every person means something to someone.

Most Americans have never fought in a war. They've never laced up their boots and went into combat. They didn't have to worry about surviving until the next day as gunfire went off around them. Most Americans don't know what that experience is like.

However, some Americans do as they fight for our country every day. We need to thank and remember these Americans because they fight for our country while the rest of us stay safe back home and away from the war zone.

Never take for granted that you are here because someone fought for you to be here and never forget the people who died because they gave that right to you.

So, as you are out celebrating this weekend, drink to those who aren't with us today and don't forget the true definition of why we celebrate Memorial Day every year.

"…And if words cannot repay the debt we owe these men, surely with our actions we must strive to keep faith with them and with the vision that led them to battle and to final sacrifice."


Beckett and Andre: strange truth, or rural myth?

The most detailed account we have of this strange meeting comes from a very unexpected source, the British actor Cary Elwes. Elwes starred alongside Andre in the 1987 movie The Princess Bride, in which he played Wesley, and Andre portrayed Fezzik. In a video clip included in the extras to the DVD release of the movie, Elwes tells most of the details of the story that have entered into popular consciousness, including the supposed bonding between Andre and Beckett, and the colossal size of the future wrestler at the time.

According to Snopes, however, the story has been somewhat embellished. Beckett did indeed drive the young Andre to school — which is remarkable in itself — but it wasn't solely because of the young man's enormous frame. There wasn't, in fact, any school bus. Rather, the children would walk the two-kilometer path to school, and if Beckett happened to be passing, he would give a ride to kids who were heading in the same direction — not only Andre, but anybody.

The legend has inspired books, short films, and TV shows over the years, and although many of these versions have included a healthy dose of creative license, they also pleasingly include an element of truth.


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