Schauspieler Burt Lancaster gestorben

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Am 20. Oktober 1994 wurde Burt Lancaster, ein ehemaliger Zirkusartist, der als Hollywood-Hauptdarsteller mit rund 70 Filmen berühmt wurde, darunter Von hier zu Ewigkeit und Atlantische Stadt, in einer mehr als vier Jahrzehnte dauernden Karriere stirbt im Alter von 80 Jahren in Century City, Kalifornien, an einem Herzinfarkt.

Lancaster wurde am 2. November 1913 in New York City geboren und wuchs in East Harlem auf. Nach einem Stipendium an der New York University, das er mit einem Sportstipendium besuchte, verließ er den Zirkus, wo er als Akrobat arbeitete. Eine Verletzung zwang Lancaster 1939, den Zirkus aufzugeben, und er arbeitete eine Reihe von Jobs, bis er 1942 zur Armee eingezogen wurde. Drei Jahre später, während seines Urlaubs, begann Lancasters Schauspielkarriere, nachdem er die Frau besucht hatte, die wurde seine zweite Frau im Theaterbüro, wo sie angestellt war, und wurde von einem Assistenten eines Produzenten gebeten, für ein Broadway-Stück vorzusprechen. Er bekam die Rolle als Army Sergeant und wurde bald von Hollywood bemerkt. 1946 gab Lancaster sein Filmdebüt an der Seite von Ava Gardner in Die Mörder, basierend auf einer Kurzgeschichte von Ernest Hemingway. Lancaster spielt den Schwede, einen ehemaligen Boxer, der sich mit dem Mob verwickelt hat und darauf wartet, von Auftragskillern ermordet zu werden.

Er fuhr fort, in der Biopic von 1951 zu spielen Jim Thorpe: Allamerikanisch, über den Olympioniken der amerikanischen Ureinwohner und 1952 Der karmesinrote Pirat, in dem er seine akrobatischen Fähigkeiten als verwegene Titelfigur einsetzte. 1953 spielte er zusammen mit Deborah Kerr und Frank Sinatra in Von hier zu Ewigkeit, ein Film aus dem Zweiten Weltkrieg, der auf Hawaii kurz vor dem Angriff auf Pearl Harbor spielt. Der Film, der die mittlerweile ikonische Szene enthielt, in der Lancaster und Kerr in einer Umarmung am Strand gefangen sind, während die Wellen über sie rollen, brachte Lancaster seine erste Oscar-Nominierung als bester Hauptdarsteller ein. Zu Lancasters anderen Filmkrediten in den 1950er Jahren gehörten Apache (1954), in dem er einen indianischen Krieger spielt; Süßer Duft des Erfolgs (1957), in dem er einen skrupellosen Klatschkolumnisten spielt; und Schießerei im O.K. Corral (1957), in dem er Wyatt Earp für Doc Holliday von Kirk Douglas porträtiert.

In den 1960er und 1970er Jahren trat Lancaster in Filmen wie den 1960er Jahren auf Elmer Gantry, was ihm einen Oscar als bester Hauptdarsteller für seine Leistung als Betrüger und Prediger einbrachte; 1961 Urteil in Nürnberg, über die Nazi-Kriegsverbrecherprozesse im Zweiten Weltkrieg; 1962 Vogelmann von Alcatraz, das auf der wahren Geschichte eines verurteilten Mörders basierte, der hinter Gittern zum Vogelexperten wird und Lancaster eine weitere Oscar-Nominierung als bester Schauspieler einbrachte; Das historische Drama des italienischen Regisseurs Luchino Visconti aus dem Jahr 1963 Der Leopard, in dem Lancaster einen alternden Aristokraten spielt; 1968 Der Schwimmer, basierend auf einer John Cheever-Geschichte; Der Katastrophenfilm von 1970 Flughafen; und 1979er Jahre Zulu Morgendämmerung, mit Peter O’Toole und Bob Hoskins.

1980 spielte Lancaster eine Hauptrolle in Regisseur Louis Malles atlantische Stadt und seine Leistung als alternder Gangster brachte ihm seine vierte Nominierung für den Oscar als bester Schauspieler ein. Er war auch in Lokaler Held (1983), in dem er einen exzentrischen Besitzer einer Ölfirma spielt; und 1989 Feld der Träume, mit Kevin Costner. Lancaster gründete in den 1950er Jahren mit seinem Agenten Harold Hecht eine Produktionsfirma und war damit einer der ersten Schauspieler in Hollywood. Zu seinen Produktionskrediten gehörten 1955 Marty, das Oscars für den besten Film, die beste Regie, das beste Drehbuch und den besten Schauspieler (Ernest Borgnine) gewann.


Dinge, die wir erst nach seinem Tod über Burt Reynolds erfahren haben

Burt Reynolds – der ikonische Schauspieler, der uns mit seinem charmanten Lächeln, seinem typischen buschigen Schnurrbart und seiner noch behaarteren Brust verblüffte – starb am 6. September 2018 im Alter von 82 Jahren. Obwohl er gesundheitliche Probleme hatte, war seine Nichte Nancy Lee Hess , erzählt Uns wöchentlich dass sein Tod "völlig unerwartet" war. TMZ bestätigte später, dass der legendäre Star nach einem Herzinfarkt in einem Krankenhaus in Florida gestorben ist. Sich an das Leben des preisgekrönten Schauspielers zu erinnern bedeutet, seine jahrzehntelangen Verdienste um die Unterhaltungsindustrie zu feiern, einschließlich seiner denkwürdigen Rollen in Smokey und der Bandit, Boogie-Nächte, und Der längste Hof.

Reynolds arbeitete mit unzähligen Starlets zusammen und brach dabei mehr als ein paar Herzen, auch als seine Ehe mit WKRP in Cincinnati Star Loni Anderson endete, als er sich in eine Kellnerin namens Pam Seals verliebte, per Abc Nachrichten. Es waren seine gescheiterten (und kostspieligen) Beziehungen, die während seiner Blütezeit Schlagzeilen bombardierten, und nach seinem Tod wurden noch mehr Informationen über das Privatleben des Schauspielers enthüllt – Tee, der sich als genauso fesselnd erwiesen hat wie einige seiner Auftritte auf der Leinwand.

Folgendes haben wir erst nach seinem Tod über Burt Reynolds erfahren.


Alter, Größe & Maße

Burt Lancaster ist am 20. Oktober 1994 im Alter von 80 Jahren gestorben. Er wurde unter dem Skorpion-Horoskop geboren, da Burts Geburtsdatum der 2. November ist. Burt Lancaster Größe 7 Fuß 0 Zoll (ca.) & Gewicht 113 lbs (51,2 kg) (ca.). Im Moment wissen wir nichts über Körpermaße. Wir werden in diesem Artikel aktualisieren.

Höhe5 Fuß 1 Zoll (ca.)
Gewicht65,3 kg (ca.)
Körpermaße
AugenfarbeDunkelbraun
HaarfarbeSchwarz
KleidergrößeXL
Schuhgröße6,5 (USA), 5,5 (Großbritannien), 39,5 (EU), 25 (CM)

Kirk Douglas, einer der letzten überlebenden Stars des Goldenen Zeitalters Hollywoods, stirbt im Alter von 103 Jahren

Der ikonische Schauspieler hinterließ vielleicht seine unauslöschlichsten Spuren im Kino, indem er sich 1960 mit „Spartacus“ für diejenigen einsetzte, die in der McCarthy-Ära auf die schwarze Liste gesetzt wurden.

Oliver Jones

AFP/Getty

Kirk Douglas mochte einen guten Kampf. "Er kämpft mit seiner Frau, er kämpft mit dem Dienstmädchen, er kämpft mit dem Koch", sagte Burt Lancaster, sein verstorbener Co-Star, Freund und Laufpartner. "Gott weiß, er hat mit mir gekämpft."

Kein Wunder also, dass Douglas, der am Mittwoch fast zwei Jahrzehnte nach einem Schlaganfall im Jahr 1996 starb, der ihn sprachlos machte, bis zum Ende kämpfte. Der Schauspieler, einer der wenigen, dessen überdimensionale Persönlichkeit im wirklichen Leben so groß war wie auf der großen Leinwand und einer der allerletzten Fäden, die uns mit der Traumfabrik Golden Age Hollywood verbanden, war 103 Jahre alt.

„Mit großer Trauer geben meine Brüder und ich bekannt, dass Kirk Douglas uns heute im Alter von 103 Jahren verlassen hat“, sagte Michael Douglas in einer Erklärung. „Für die Welt war er eine Legende, ein Schauspieler aus dem goldenen Zeitalter des Films, der bis in seine goldenen Jahre lebte, ein Menschenfreund, dessen Engagement für Gerechtigkeit und die Anliegen, an die er glaubte, einen Maßstab für uns alle setzten.“

„Aber für mich und meine Brüder Joel und Peter war er einfach Papa, für Catherine ein wunderbarer Schwiegervater, für seine Enkel und Urenkel ihr liebevoller Großvater und für seine Frau Anne ein wunderbarer Ehemann“, schrieb Michael Douglas .

„Lassen Sie mich mit den Worten enden, die ich ihm an seinem letzten Geburtstag gesagt habe und die immer wahr bleiben werden. Papa – ich liebe dich so sehr und ich bin so stolz, dein Sohn zu sein.“

Während er einen Schlaganfall erlitt und sich mutig und öffentlich dagegen wehrte, mag Douglas' Image erheblich aufgeweicht haben („Wahrhaftig, [er ist] ein viel netterer Mensch“, wie sein berühmter Sohn Michael es ausdrückte), behauptete Douglas seinen Ruf als einer der umstrittenere Figuren der Hollywood-Geschichte. Egal welcher Gegner, er war ein fast ständiger Kämpfer, der für das kämpfte, was er für richtig hielt, das Beste oder wirklich nur das Repräsentativste für sein wahres Selbst.

„Ich bin fasziniert und fasziniert davon, wie schwer es ist, ein Individuum zu sein“, sagte er 1969 zu Roger Ebert. „Die Sache, ein sogenannter Filmstar zu sein, arbeitet gegen einen. Sicher, Sie können immer aufregende Bilder machen, Abenteuerbilder, aber wenn Sie etwas anderes ausprobieren, fallen sie auf Sie ab, weil Sie ein Star sind. Und doch hat mich dieses Thema des Individuums, das gegen die Gesellschaft kämpft, immer besessen.“

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"US-Schauspieler Michael Douglas (L) küsst seinen Vater US-Schauspieler Kirk Douglas (C) neben Schauspieler Burt Lancaster (R) während der 57. Oscarverleihung am 25. März 1985 in Hollywood, Kalifornien. AFP FOTO ROB BOREN (Bildnachweis sollte ROB BOREN/AFP/Getty Images lauten)"

ROB BOREN

Wie Michael, der älteste von Douglas‘ vier Söhnen, erzählte Eitelkeitsmesse 2010: „Er war ein sehr intensiver, talentierter Überlebenskünstler. Er war verzehrt davon, sich herauszukratzen und etwas aus sich selbst zu machen …“

Viele – vor allem Douglas selbst – führten diese Intensität auf seine Kindheit zurück. Der Schauspieler verwendete seine Horatio Alger-ähnliche Lebensgeschichte als Grundlage für viele seiner 11 Bücher, darunter seine Bestseller-Autobiografie von 1988, Der Sohn des Ragman.

Geboren als Issur Danielovich in Amsterdam, New York, ging Douglas zu Izzy Dempsky, bevor er seinen Namen erfand, als er nach New York City zog. (Douglas war für Douglas Fairbanks und Kirk nur, weil es „schick klang“.) Seine Eltern waren russische Analphabeten, die vor den Kommunisten nach Ellis Island geflohen waren Douglas und seine sechs Schwestern wuchsen mit Jiddisch auf. Man kann mit Sicherheit sagen, dass nur wenige Schauspieler verarmter aufgewachsen sind.

„Menschen werden oft zu Schauspielern, weil es eine Form der Flucht aus der realen Welt ist“, sagte Douglas. „Und ich hatte viel zu entkommen, glauben Sie mir. Es war ein höllischer Kampf und es gab Zeiten, in denen wir nicht wussten, wann die nächste Mahlzeit kam.“ Seine Berufung fand er als 5-Jähriger, als er vor den Eltern seiner ersten Klasse ein Gedicht vorlas und vom Applaus begeistert war. „Ein Schauspieler wurde geboren“, sagte er.

Nach der High School gelang es Douglas, sich in die St. Lawrence University einzuarbeiten, wo er schauspielerte, ein Star im Wrestling-Team war und als Hausmeister arbeitete. Nach dem College war er ein Stipendium der American Academy of Dramatic Arts in New York City. Dort war er mit Betty Pepske und seiner zukünftigen ersten Frau Diana Dill zusammen. Betty würde schließlich ihren Namen in Lauren Bacall ändern und ihre alte Flamme Hal Wallis von Paramount für einen Bildschirmtest empfehlen.

Douglas traf Hollywood wie eine Fledermaus aus der Hölle. Als jemand im Studio wollte, dass er sein typisches Kinngrübchen repariert, wurde er ballistisch: „Wenn dir das Loch in meinem Kinn nicht gefällt, gehe ich zurück zum Broadway!“ In einem Kampf um die Kontrolle, der seine gesamte Karriere prägen sollte, brach er nach seinem Debüt 1946 an der Seite von Barbara Stanwyck im Jahr 1946 seinen Vertrag über fünf Bilder mit Paramount Die seltsame Liebe von Martha Ivers.

1947 begann er seine langjährige Partnerschaft mit Burt Lancaster mit Ich gehe alleine. Es war die perfekte Paarung – die Klatschkolumnistin Sheilah Graham von Matt und Ben ihrer Zeit nannte sie „Die schrecklichen Zwillinge“. Lancaster sagte Jahre später: „Wir waren beide jung, dreist großspurig, arrogant. Wir wussten alles. Niemand mochte uns.“ (Sie mochten Douglas nicht mehr: Photoplay kürte ihn mehrere Jahre in Folge zum meistgehassten Mann in Hollywood.)

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"US-Schauspieler Kirk Douglas (L) und Martin Sheen (R) sind während der 32. Internationalen Filmfestspiele von Cannes am 14. Mai 1979 abgebildet. AFP FOTO RALPH GATTI/AFP/RALPH GATTI (Bildnachweis sollte RALPH GATTI/AFP/Getty Images lauten? )"

RALPH GATTI

Als er seine erste Oscar-Nominierung erhielt – passenderweise für die Rolle eines Boxers im Champion von 1949 – war der Vater von zwei Kindern von Diana geschieden und entwickelte sich einen epischen Ruf als Damenmann. Er datierte unter anderem mit Rhonda Fleming, Evelyn Keyes, Ava Gardner, Gene Tierney, Rita Heyworth, Joan Crawford, Marlena Dietrich und Pier Angeli, mit denen er kurzzeitig verlobt war.

Es war eine beeindruckende Bilanz, dass der Ruf ihn sein ganzes Leben lang verfolgte, obwohl er 1957 in Vegas Anne Buydens heiratete und sie sich bis zu seinem Tod treu blieben. „Ja, für einen Typen, den man einen Frauenhelden nennt, bin ich seit 57 Jahren verheiratet“, sagte er 2011. „Und ich schreibe immer noch ihre Liebesgedichte. Ich habe ihr mehrere Gedichte geschrieben. In einem sagte ich: ‚Romantik beginnt mit 80.‘“

Mit Stanley Kubricks Spartakus 1960 hinterließ Douglas vielleicht seine unauslöschlichsten Spuren im Kino, sowohl als Schauspieler als auch als Produzent, der darauf bestand, dass der Drehbuchautor Dalton Trumbo auf der schwarzen Liste angemessen für sein Drehbuch genannt wurde.

"Das war eine schreckliche Zeit in der Geschichte Hollywoods", sagte er Interview. „Das hätte nie passieren dürfen. Wir hätten dagegen kämpfen sollen. Aber es ist vorbei und ich tröste mich im Alter damit, dass ich mich erinnere.“ (Einige behaupten, dass Douglas, der Ich bin Spartacus!: Einen Film drehen, die schwarze Liste brechen im Jahr 2012 könnte seine Rolle beim Brechen der schwarzen Liste überbewertet haben.)


Aus den Archiven: Oscar-Gewinner Burt Lancaster stirbt mit 80

Burt Lancaster, der Performer, Produzent, Turner und Bilderstürmer – der von seinen frühesten Anfängen an immer ein Star war – ist gestorben, teilte seine Frau am Freitag mit.

Der 80-jährige Oscar-Gewinner und ehemalige Spitzensportler war seit seinem Schlaganfall vor fast vier Jahren gesundheitlich angeschlagen. Er starb am Donnerstag über Nacht an einem Herzinfarkt in ihrer Eigentumswohnung in Century City, sagte Susan Lancaster und fügte hinzu, dass es keine Beerdigung geben wird und dass die Beerdigung privat sein wird.

Lancaster befand sich seit seiner Einlieferung in Los Alamitos im November 1990 in relativer Abgeschiedenheit. Er erlitt den Schlaganfall, als er einen Freund in Orange County besuchte, und hatte in letzter Zeit Besucher abgelehnt, sogar so alte Freunde wie Kirk Douglas.

Der Schlaganfall war die letzte einer Reihe von körperlichen Krankheiten, die den männlichen und vielseitigen Star von mehr als 70 Filmen befallen hatten.

1983 unterzog er sich einer multiplen Koronararterien-Bypass-Operation und litt weiterhin an einer Herzerkrankung.

Obwohl er ein halbes Jahr nach der Operation „Little Treasure“ drehte und stetig für Film und Fernsehen arbeitete, wurde Lancaster 1988 die Titelrolle in „Old Gringo“ aus gesundheitlichen Gründen verweigert. Columbia Pictures entschied, dass eine Versicherung für ihn zu teuer wäre, und besetzte stattdessen Gregory Peck.

Aber Lancaster erholte sich von diesem Rückschlag, um 1989 eine angekündigte Leistung in "Field of Dreams" zu geben, in der er Moonlight Graham porträtierte, einen ehemaligen Ballspieler, der kurz mit sportlichem Ruhm in Berührung kam, bevor er Arzt wurde.

Bei dieser Rolle, wie bei Dutzenden anderen während seiner langen Schauspielkarriere, war es, als wäre Lancaster für seine gewählte Arbeit geboren worden.

Einige Schauspieler kämpfen sich durch Nebenrollen bis hin zum Starstatus nach oben, andere berufen sich auf eine akademische Vorbereitung, beginnend mit College-Dramakursen und durch das Actors Studio und Sommerlager bis hin zu professionellem Beifall.

Lancaster belegte keine Kurse und spielte keine zweiten Hauptrollen, sondern war von seinem ersten Filmauftritt im Jahr 1946 bis einige Jahre vor seinem Tod ein echter Star.

Manchmal schienen seine beruflichen Errungenschaften fast zu zahlreich, um wahr zu sein, geschweige denn in Erinnerung geblieben.

Der Oscar, den er 1960 für „Elmer Gantry“ gewann, und der Preis der Filmfestspiele von Venedig, den er zwei Jahre später für „The Birdman of Alcatraz“ erhielt, blieben in Erinnerung. Aber viele vergaßen den früheren Oscar, den er sich mit Harold Hecht als Co-Produzent von „Marty“ geteilt hatte, der 1955 zum besten Bild gewählt wurde.

Lancasters Arbeit in so großen dramatischen Produktionen wie „Come Back, Little Sheba“, „From Here to Eternity“, „Judgement at Nürnberg“, „The Rainmaker“, „Seven Days in May“ und „Atlantic City“ neigte dazu, seine Arbeit zu überschatten in Filmen wie "Trapeze", "The Flame and the Arrow" und "The Crimson Pirate", die die hellere Seite seiner Natur zeigten.

Kirk Douglas wurde über Lancasters Tod informiert und sagte, ihre 50-jährige Beziehung sei kostbar gewesen. Douglas sagte, dass er, nachdem er vor einigen Jahren einen Hubschrauberabsturz überlebt hatte, erkannte, "wie wichtig das Leben und die Freunde wirklich waren".

„Burt war nicht nur Schauspieler“, fügte Douglas hinzu. „Er war ein neugieriger Intellektueller mit einer bleibenden Liebe zur Oper, der ständig auf der Suche nach einzigartigen Charakteren war, die er darstellen konnte. . . . Elmer Gantry. . . der Vogelmann von Alcatraz.“

In Erinnerung an die Filme, die er und Lancaster zusammen gedreht hatten, und an die Dutzende anderer Bilder, die den ausgesprochenen ehemaligen Floorwalker und Verkäufer zeigten, sagte Douglas:

„Wissen Sie, Burt ist nicht wirklich tot. . . . Die Leute werden uns noch in Jahren sehen, wie wir aufeinander schießen. . . Ich sehe ihn immer noch in seinen vielen anderen großartigen Filmen. Wenigstens hat er jetzt Frieden."

Burton Stephen Lancaster wurde am 2. November 1913 im Stadtteil East Harlem von New York City geboren, besuchte die Public School 83 und die DeWitt Clinton High School und sagte oft, er sei vielleicht „entweder Polizist oder Krimineller geworden (seine Bruder wurde Polizist, einige seiner Spielkameraden aus der Kindheit würden in Sing Sing landen), wenn da nicht die Leichtathletik und die öffentliche Bibliothek gewesen wären.“

Als er 14 Jahre alt war, war er 1,80 m groß und hatte einen kräftigen Körperbau und schnelle Reflexe, die ihm ein Sportstipendium an der New York University einbrachten. Ein wachsamer und zurückhaltender Geist gab ihm eine lebenslange Vorliebe für Bücher. Aber die formale Ausbildung begann ihn Mitte seines zweiten Studienjahres zu langweilen und er verließ das College, um dem Zirkus beizutreten.

Er tat sich mit dem Jugendfreund und Gymnastikpartner Nick Cravat zusammen – der später für Stunts vor der Kamera in „The Crimson Pirate“ und „The Flame and the Arrow“ zu ihm stieß – und bildete das Akrobatikteam von Lang und Cravat und bekam einen Job bei die Kay Bros.-Show mit einem Gehalt von 3 Dollar pro Woche und drei Mahlzeiten am Tag.

„Ich wusste“, sagte er in späteren Jahren, „dass ich das gefunden hatte, was ich für den Rest meines Lebens machen wollte – die Frage war nur, welcher Teil des Geschäfts am besten wäre.“

Von 1932 bis 1937 arbeitete das Team von Lang und Cravat stetig: Das Engagement von Kay Bros. wich einem ähnlichen (aber besser bezahlten) mit Gorman Bros. Circus. Es folgte ein Wechsel zur Barnett Bros. Wandershow und schließlich zu einer Tournee mit Ringling Bros. und Barnum & Bailey – damals wie heute die Spitze der Zirkuswelt in Nordamerika.

„Aber es fühlte sich nicht richtig an“, sagte er. „Ich hatte das Gefühl, dass etwas fehlt. Verdammt, ich wollte reden. . . .“

Also gab er für eine Weile auf, um mit dem Works Progress Administration Theatre Project aus der Zeit der Depression aufzutreten.

"Aber für mich hat es nicht wirklich geklappt", sagte er Interviewern im Laufe der Jahre. „Ich hatte mir angewöhnt, drei Mahlzeiten am Tag zu essen, und das war bei dem, was sich das Theaterprojekt leisten konnte, schwer zu schaffen. Also ging ich zurück zu Lang und Cravat.“

Ein paar Wochen nach seiner Rückkehr in den Zirkus infizierte sich einer seiner Finger und ein Arzt stellte ihm die Wahl: Aufgeben der professionellen Akrobatik oder Gesichtsamputation.

"Ich beschloss, meinen Finger zu behalten", sagte er, "und suchte nach einer anderen Art von Job – außerhalb des Zirkus, sogar außerhalb des Unterhaltungsbereichs."

In den nächsten drei Jahren war er abwechselnd Floorwalker in der Wäscheabteilung des Marshall Field Stores in Chicago, Verkäufer in der Kurzwarenabteilung desselben Ladens, Feuerwehrmann, Lastwagenfahrer und Ingenieur für eine Fleischverpackungsfabrik.

Nach New York zurückgekehrt, fand er eine Anstellung beim Columbia Concerts Bureau (einer Tochtergesellschaft des CBS-Netzwerks, die Kleinstädte im ganzen Land mit Musik beliefert). Doch bevor er seine neuen Aufgaben als Booking Agent übernehmen konnte, erhielt er seinen Kündigungsentwurf.

„Ich hatte eine wundervolle Zeit“, sagte er, „als ich als Pageturner für einen Soldatenpianisten durch Nordafrika, Italien und Österreich tourte!“

Die Jahre des Zweiten Weltkriegs führten jedoch zu einem wichtigen Kontakt.

Das war mit einer USO-Entertainerin namens Norma Anderson. Sie blieben während des restlichen Krieges in Kontakt, und sobald er vorbei war, nutzte er seinen 45-tägigen Entlassungsurlaub und seinen Reisegutschein, um sie in New York aufzusuchen, wo sie für einen Radioproduzenten arbeitete.

Er war im Aufzug, auf dem Weg zu ihrem Büro, als er bemerkte, dass ein Mitreisender ihn anstarrte.

„Als ich in Normas Etage ausstieg“, sagte er, „ist der Typ gefolgt, und ich muss zugeben, dass er mir wirklich Sorgen machte, als er eine Visitenkarte herauszog.“

Der Mann identifizierte sich als Mitarbeiter des Bühnenproduzenten Irving Jacobs und lud Lancaster ein, für die Rolle eines harten Sergeants in einem neuen Stück namens „A Sound of Hunting“ vorzulesen.

Lancaster bekam die Rolle und obwohl das Stück nur fünf Wochen überlebte, waren sich die Rezensenten in ihrem Lob einig. Sie brachten Filmscouts ins Spiel und es resultierten sieben Bildschirmvertragsangebote.

Aber er nahm keine von ihnen an. Stattdessen unterschrieb er bei Hecht, der hinter die Bühne kam, um ein Angebot zu machen, das sonst niemand hatte, und sagte Lancaster: "In fünf Jahren werden wir unsere eigenen Bilder machen."

Sie schüttelten sich die Hände und gründeten eine Geschäftsverbindung, die für das nächste Vierteljahrhundert einen fast ununterbrochenen Vorrat an Filmen, Millionen und Oscars hervorbrachte.

Hechts erster Schritt bestand darin, Lancaster einen Vertrag mit Hal Wallis zu unterzeichnen, der zwei Bilder pro Jahr forderte. Der junge Schauspieler bestieg einen Zug nach Hollywood, um sofort mit der Arbeit an einem Film mit dem Titel "Desert Fury" zu beginnen. Aber bei seiner Ankunft stellte er fest, dass das Drehbuch noch nicht fertig war.

Produzent Mark Hellinger hatte jedoch einen Lancaster-Screen-Test gesehen und wollte ihn für die zum Scheitern verurteilte Heldenrolle des Schweden in "The Killers", basierend auf Ernest Hemingways Kurzgeschichte, haben.


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Burt Lancaster, ein Hollywood-Star, stirbt 1994 im Alter von 80 Jahren an einem Herzinfarkt

Burt Lancaster, der Sohn eines Postbeamten in East Harlem, dessen Verstand und Kraft ihn zu einem Hollywood-Star von außergewöhnlicher Anziehungskraft machten, wurde gestern nach seinem Tod im Alter von 80 Jahren als "Gigant" betrauert.

Lancaster, der vor vier Jahren einen Schlaganfall erlitt, der ihn weder sprechen noch seine Freunde wiedererkennen ließ, starb am Donnerstag in seinem Haus in Los Angeles an einem Herzinfarkt, sagte seine Frau Susan Scherer.

"Er streichelte mein Haar und berührte mein Gesicht, und er seufzte und das war's", sagte Scherer.

"Er ging sehr, sehr friedlich. Wir waren Gott sei Dank zusammen", fügte sie hinzu. "In der letzten Woche war er besser denn je. Es kam völlig überraschend."

Lancaster, ein Absolvent der DeWitt Clinton High School in der Bronx, hat das uralte Stereotyp des harten Films auf eine neue Ebene gehoben und seinen Bildschirmmachismo mit Sensibilität und Nachdenklichkeit bereichert. Seine Karriere umfasste mehr als vier Jahrzehnte und 70 Filme, von mürrischen harten über Hauptdarsteller bis hin zu Charakterdarstellern. Selbst in der Dämmerung seiner Karriere wurde seine Statur nur durch die Schärfe seiner Auftritte bestätigt.

Für den Film "Elmer Gantry" von 1960 gewann er einen Oscar. Andere denkwürdige Filme sind "The Birdman of Alcatraz", "From Here to Eternity", "Sweet Smell of Success", "Atlantic City", "Judgement at Nürnberg", "The Rose Tattoo" und "Local Hero".

"Es gibt viele gute Schauspieler, aber es gibt nur sehr wenige Unikate. Wie Cagney und Bogart war Burt einzigartig", sagte seine "Elmer Gantry"-Co-Starin Shirley Jones.

"Es ist der Tod eines Giganten", sagte sein Freund und Co-Star Kirk Douglas gestern. "Aber Burt wird nie sterben. Wir werden ihn immer in "The Crimson Pirate" von einer Rah schwingen sehen ... und mit mir in "Gunfight at the O.K." Korral.'"

„Ich habe das Gefühl, dass die Branche einen wunderbaren Menschen verloren hat, der immer begeistert von den Filmen war, die er gemacht hat. Egal, was das Material war, er hat es immer gegeben, was ich echte 100% nennen würde“, sagte „Birdman“-Co-Star Karl Malden.

Nach Stationen als Zirkusakrobat und Armee-Entertainer war Lancasters Filmkarriere von körperlichen, intensiven Rollen geprägt, aber er spielte auch in sensiblen Rollen eine gute Figur.

Aber selbst als Star vergaß er nie, woher er kam und spendete Geld an Wohltätigkeitsorganisationen in East Harlem. Er war auch ein unerschütterlicher Anhänger liberaler Anliegen und diente einst als Präsident der American Civil Liberties Union.

Der Schauspieler wurde am 2. November 1913 als Burton Stephen Lancaster in der Third Ave. und 106. St. geboren und war der Sohn eines Postbeamten in East Harlem. Nach der High School besuchte er mit einem Basketballstipendium die New York University.

Aber Lancaster verließ die NYU in seinem zweiten Jahr, um mit Nick Cravat, einem Freund aus Kindertagen, ein Akrobatikteam zu bilden. Anschließend tourte das Duo mehrere Jahre lang mit Zirkussen, Varietés und Nachtclubs.

Während des Zweiten Weltkriegs eingezogen, verbrachte Lancaster den größten Teil seiner Dienstzeit damit, Truppen zu unterhalten. 1945 begann er seine Schauspielkarriere mit Auftritten in einer Broadway-Produktion, die nach zwei Aufführungen endete.


Burton Stephen „Burt“ Lancaster war ein Filmschauspieler, Regisseur und Produzent, geboren am 2. November 1913 in Manhattan, New York City, USA, und wurde für seine Leistung in „Elmer Gantry“ (1960) vierfach für den Oscar nominiert. Für seine Arbeit in „The Birdman of Alcatraz“ (1962) und „Atlantic City“ (1980) erhielt er einen Golden Globe und einen BAFTA Award, und seine weiteren bemerkenswerten Arbeiten umfassen Filme wie „Marty“ (1955), „Trapeze “ (1956), „Sweet Smell of Success“ (1957), „Separate Tables“ (1958) unter vielen anderen. Er starb im Oktober 1994.

Haben Sie sich jemals gefragt, wie reich Burt Lancaster war? Laut Quellen wurde das Gesamtnettovermögen von Burt Lancaster auf 40 Millionen US-Dollar geschätzt, das sich während einer fast 50-jährigen Schauspielkarriere angesammelt hat. Da er auch Regie- und Produktionsunternehmen hatte, trugen sie auch zu seinem Vermögen bei.

Burt Lancaster hat ein Vermögen von 40 Millionen US-Dollar

Burt wurde als eines von fünf Kindern in der Familie geboren und erwies sich als kleiner Junge als bemerkenswertes sportliches Talent. Er war 19, als er sich dem Zirkus anschloss, um mit seinem lebenslangen Freund Nick Cravat, der später in mehreren seiner Filme mitwirkte, in akrobatischen Akten aufzutreten. Während des Zweiten Weltkriegs diente Lancaster in der Armee und als Ergebnis seiner Auftritte in USO-Shows entwickelte er ein Interesse an der Schauspielerei. Als der Krieg vorbei war, bekam er seinen ersten professionellen Schauspieljob in dem Broadway-Stück „A Sound of Hunting“ (1945), und seine Leistung wurde von einem Talentsucher bemerkt, der ihn nach Hollywood brachte.

Burts Debütfilm kam zwei Jahre später mit „Desert Fury“ und erregte erstmals mit dem Noir-Klassiker „The Killers“ (1946) die Aufmerksamkeit des Publikums. Lancaster vermied Hollywood-Schriften und übernahm bald die Kontrolle über seine Karriere, indem er 1948 die Produktionsfirma Hecht-Hill-Lancaster mitbegründete und seinen Ruf als vielseitiger Schauspieler begründete. Im Laufe seiner Karriere trat er in zahlreichen Qualitätsfilmen auf und hielt den Höhepunkt seiner Popularität in den späten 40er, 50er und 60er Jahren dank Rollen in Filmen wie „I Walk Alone“, „All My Sons“, „Sorry, Wrong Number“, „Criss Cross“, „The Crimson Pirate“, „Come Back, Little Sheba“ und viele andere. Für seine Rolle in „From Here to Eternity“ (1953) erhielt er seine erste Oscar-Nominierung, was zu seinem wachsenden Vermögen half.

Seine Rollenserie setzte sich in den folgenden Jahren fort, als er in den Hits „Apache“, „Trapeze“ und „Run Silent, Run Deep“ auftrat. Für seine charismatische Leistung in „Elmer Gantry“ (1960) gewann Burt einen Oscar, ein Jahr später wurde er nach der Darstellung eines Nazi-Kriegsverbrechers in „Das Urteil von Nürnberg“ (1961) für einen weiteren Oscar nominiert. Zu seinen anderen bemerkenswerten Filmen in den 60er Jahren gehörten „Seven Days in May“, „The Train“, „The Professionals“ und „The Swimmer“. Obwohl sein erster Film in den 70er Jahren eine Katastrophe war, spielte Lancaster in diesem Jahrzehnt auch in einigen bemerkenswerten Filmen, darunter seine Rolle in Bertoluccis „1900“. In den folgenden Jahren kamen weitere Charakterrollen hinzu, etwa mit Kirk Douglas in „Tough Guys“ (1986) und seiner bewegenden Darstellung des Doctor Graham in „Field of Dreams“ (1989).

Seinen letzten Auftritt gab er in der TV-Miniserie „Separate but Equal“ (1991), danach zog er sich aus gesundheitlichen Gründen zurück, nachdem er in fast 80 Filmen auf der großen Leinwand und mehr als einem Dutzend im Fernsehen mitgewirkt hatte. Er wird vom American Film Institute als Nr. 19 der größten männlichen Stars des klassischen Hollywood-Kinos eingestuft.

Was sein Privatleben betrifft, heiratete Lancaster dreimal. Seine ersten beiden Ehen wurden geschieden, mit June Ernst (1935-46) und Norma Anderson (1946-69) heiratete er 1990 seine dritte Frau Susan Martin und blieb bei ihr bis zu seinem Tod am 20. Oktober 1994 in Century City, Los Angeles, Kalifornien, USA. Er war Vater von fünf Kindern, alle mit Norma.


Burt Lancaster Leben und Biografie

Geburtsdatum : 1913-11-02
Todesdatum: 1994-10-20
Geburtsort: New York City, New York, USA
Nationalität : amerikanisch
Kategorie : Berühmte Persönlichkeiten
Letzte Änderung : 2011-01-22
Gutgeschrieben als: Filmschauspieler, Elmer Gantry, The Birdman of Alcatraz (1962)

Burt Lancaster Er, einer der beliebtesten Filmstars aller Zeiten, wollte nie Schauspieler werden. Lancaster verfiel zufällig in die Schauspielerei und wurde ein Star, obwohl er keine dramatische Ausbildung hatte. Während seiner langen Karriere drehte er 85 Filme und gewann einen Oscar.

Burton Stephen Lancaster, das vierte von fünf Kindern, wurde am 2. November 1913 in New York City als Sohn von James Lancaster, einem Postangestellten, und Elizabeth Roberts Lancaster geboren. Obwohl die Familie irischer und englischer Abstammung war, lebte sie im italienischen East Harlem. Als Lancaster und seine Brüder alt genug waren, schaufelten sie Schnee, verkauften Zeitungen und putzten Schuhe, um Geld für die Familie zu verdienen. Während James Lancaster ein sanfter, warmherziger Vater war, war Elizabeth eine strenge Disziplinarin, die ihren Kindern die Tugenden der Ehrlichkeit und Loyalität beibrachte, wenn nötig mit Peitschenhieben. Sie hatte keine Vorurteile gegenüber den vielen verschiedenen ethnischen Gruppen in ihrer Nachbarschaft und behandelte sie alle freundlich, was auf ihren Sohn einen starken Eindruck machte.

Lancaster besuchte die Public School 121 für die unteren Grundschulklassen. Dort machte er sich gut, vor allem im Lesen und Schreiben. Er wechselte dann zur Public School 83, wo er Englisch und Geschichte mochte, aber in Mathematik schlecht abgeschnitten hatte. Lancaster liebte es zu lesen und behauptete, mit 14 Jahren jedes Buch in der 110th Street Bibliothek gelesen zu haben. Er liebte auch Filme, insbesondere die des verwegenen Douglas Fairbanks, aber er wollte kein Schauspieler werden. Bis zu seinem 15. Lebensjahr wollte Lancaster Opernsänger werden. Die Liebe zur Oper und zur symphonischen Musik blieb ihm zeitlebens erhalten.

Im Alter von 13 Jahren verlor Lancaster sein Babyfett und wurde zu einem großen, athletischen jungen Mann. Er rannte mit Nachbarskindern durch die Straßen und Parks, und im Union Settlement House trat er in einem Theaterstück auf. Ein berühmter Regisseur, Richard Boleslavsky, sah ihn in der Show und war so beeindruckt, dass er mit Elizabeth Lancaster über die Möglichkeit einer Schauspielschule sprach. Ihr Sohn war jedoch nicht bereit und nannte die Schauspielerei "Schweinchenzeug".

Als er neun war, lernte Lancaster im Camp seinen lebenslangen Freund Nick Cravat kennen, einen zähen kleinen Kerl, mit dem Lancaster später arbeiten sollte. Lancaster besuchte die DeWitt Clinton High, eine reine Jungenschule für Studenten, die aufs College gehen wollten. In seinem Abschlussjahr starb Lancasters Mutter an chronischer Darmnephritis. Er schloss die High School am 26. Juni 1930 ab und trat im September 1931 in die New York University ein. Er hoffte, Sportlehrer zu werden und beschäftigte sich mit Gymnastik. Lancaster verließ das College zu Beginn seines zweiten Studienjahres und trat mit seinem Freund Cravat einem Zirkus bei. Als Akrobaten verdienten sie drei Dollar die Woche.

Lancaster lernte June Ernst, einen Akrobaten, kennen und heiratete sie 1935, als er 21 und sie 18 war. Sie trennten sich 1937 und ließen sich 1940 scheiden. Im selben Jahr, als Lancaster seine rechte Hand schwer verletzte, beschloss er, den Zirkus aufzugeben. Er arbeitete für ein Kaufhaus, eine Kältefirma und mehrere andere Jobs, darunter den eines singenden Kellners, bis er 1942 zur US-Armee eingezogen wurde.

Lancaster became part of Special Services, whose purpose was to entertain the soldiers and provide them with off-duty activities. He began as an athletic instructor, moving on to the job of entertainment specialist, where he wrote, directed and performed in skits.

While putting on shows for the troops in Italy in 1944, Lancaster met the woman who was to become his second wife, Norma Anderson, a United Service Organization (USO) entertainer. Later, in New York, Lancaster visited Anderson, who worked for ABC radio. In the building's elevator, a man asked him if he was an actor. Lancaster responded that he was a "dumb actor," meaning he performed without words, as an acrobat. A few minutes later, the man telephoned the office where Lancaster was visiting and asked him to audition for the play, A Sound of Hunting.

Lancaster got the part. After three weeks of rehearsals, the play opened on November 6, 1945 and closed three weeks later. Lancaster then got an agent, Harold Hecht, and signed a contract with Hal Wallis Productions, Inc. on January 8, 1946 to make two films a year for seven years. He was also able to work for other companies. Lancaster took the train to California with one set of clothes and thirty dollars.

Not only was Lancaster a capable actor, but he looked very good on camera. He stood six feet two inches tall, weighed 180 pounds, and had a large chest and a small waist. He looked younger than his thirty-two years and had a gorgeous smile and bright blue eyes. While waiting to make his first film for Hal Wallis, Lancaster signed a contract with Mark Hellinger to make one picture a year for up to five years. Lancaster was paid $2,500 a week for his work in The Killers, which became a big hit and launched Lancaster's film career. He later said of that time, as quoted in a Sidney Skolsky syndicated column of 1950, "I woke up one day a star. It was terrifying."

After finishing the film, Lancaster drove back east to be with Anderson, who had given birth to their first child, James, on June 30, 1946. Lancaster and Anderson had not yet married, but would do so on December 28, 1946 in Yuma, Arizona. Their second son, Billy, was born in November of 1947.

On Lancaster's second film, Desert Fury, the actor argued angrily with the director when he disagreed about how something should be done in the film. This was a habit he never lost and stemmed from his intense involvement with his work. In his third film, I Walk Alone, Lancaster starred with Kirk Douglas, with whom he would make other films, including Gunfight at the O.K. Korral. The two had a love-hate relationship until Lancaster's death.

In September 1947, the House Un-American Activities Committee subpoenaed 34 people from Hollywood to investigate the extent of Communist infiltration in the movie industry. To protest, several people in the industry, including Lancaster, formed the Committee for the First Amendment. This represented the beginning of his involvement with liberal political causes. In March 1948, Lancaster began work on Kiss the Blood off My Hands, the first project of his new company, Hecht-Norma Productions, that he had formed with Harold Hecht.

In July 1948, Lancaster bought his first home. Located in Bel-Air, the large colonial housed the Lancasters, Burt's father, and Burt's widowed sister-in-law, Julia. Over the years Lancaster added a pool, tennis court, guesthouse, projection room, gym, kennel, and a baseball diamond. Lancaster also began collecting modern French paintings. He loved playing bridge and took the game very seriously.

In 1949, Lancaster began an affair with actress Shelley Winters. His marriage to Norma had problems because of her drinking, and Lancaster was often unfaithful. Norma gave birth to their third child, Susan, in July 1949. In 1950, when Norma again became pregnant, Winters realized that her relationship with Lancaster had no future. She burned all her photos of him and ended the affair.

In 1952, Lancaster made the film Come Back, Little Sheba with actress Shirley Booth. Twenty years later, Lancaster would call Booth the finest actress he had ever worked with. His portrayal of a middle-aged alcoholic surprised audiences and displayed his acting abilities and willingness not to be typecast. Of this shift in his career, he later said, in an article in Films and Filming, "Suddenly they began to think of me as a serious actor."

In 1953, Lancaster starred in From Here to Eternity as Sgt. Warden, a tough, serious soldier who falls in love with his commanding officer's wife. The film contains one of the most famous love scenes of all times, with Lancaster and his co-star Deborah Kerr kissing on a beach as waves wash over them. From Here to Eternity earned more money than any other film in the history of Columbia Pictures to that point. Lancaster won the New York Film Critics Circle Award for the best actor of 1953. He was nominated for, but did not win, the Academy Award for best actor of that year.

In 1954, Lancaster directed his first movie, The Kentuckian, in which he also starred. Directing had been a dream of his, but after the lukewarm reception the film received, Lancaster was terribly disappointed and directed only one other movie, The Midnight Man, in 1974.

Lancaster starred in Elmer Gantry, (1960), about a larger-than-life evangelist. Later Lancaster was to say that of all the roles he had played, Elmer Gantry was the most like himself. Gary Fishgall wrote in Against Type: The Biography of Burt Lancaster, "If one had to chose a single picture from the prime of Lancaster's career to define the essence of his stardom, Elmer Gantry would be that film." For his work in the film Lancaster won the New York Film Critics Award for best actor of 1960, the Golden Globe for best motion picture actor in a drama, for 1960, and the Academy Award for best actor of 1960.

In late 1960, Lancaster began filming Birdman of Alcatraz, in which he plays a prisoner who raises birds. Lancaster became very emotionally involved with his role. "One of the problems an actor faces, and it's a very dangerous thing, is to get so involved in a role he loses control of what he is doing. With Birdman of Alcatraz, I couldn't stop crying throughout the film," Lancaster explained in Take 22: Moviemakers on Moviemaking. He was nominated for an Academy Award for his portrayal of Robert Stroud.

Lancaster began filming Judgment at Nuremberg in early 1961. The movie detailed the 1948 war crimes trial of four Nazi judges. Lancaster played Ernst Janning, but was not popular in the role.

In September 1961, Lancaster's father died. James Lancaster had lived with his son since 1947. The two had been very close. In November of that year, the Lancaster's home burned to the ground in a fire that destroyed 456 homes in Bel-Air. Luckily Lancaster's art collection survived since it had been lent to the Los Angeles County Art Museum only the week before. The family rebuilt their home on the same site.

In 1964, Lancaster began filming The Hallelujah Trail in New Mexico. On the set he met a hairdresser named Jackie Bone, who would be his girlfriend for the next 20 years. Although Lancaster was still married to Norma, he fell very much in love with Bone. He and Norma finally separated in 1967, but did not divorce until 1969. The end of his marriage was hard on Lancaster, who considered himself a family man, but he could not deal with his wife's alcoholism. Lancaster's relationship with Bone was stormy. Once they argued in a restaurant and Bone broke a pitcher over his head.

As the 1970s began, Lancaster had not had a successful movie for three years. His good looks were fading, and he drank to excess. He became depressed. Although he made 14 films in the 1970s, they were not very popular. In 1973, Lancaster and Bone moved to Rome. He learned to speak some Italian, cook spaghetti and even grew his own herbs for cooking. Their relationship remained stormy, and he cheated on her, as he had with Norma. The couple moved back to the U.S. in 1976.

In late 1979, Lancaster began work on Atlantic City, a film about two elderly gangsters. It was the first film in which he played a senior citizen. For his work in the film, Lancaster earned several awards including the BAFTA Film Award for best actor, 1980 the Los Angeles Film Critics Association award for best actor, 1980 and the New York Film Critics Circle Award for best actor, 1980.

At a party in 1985, Lancaster met Susie Scherer, a legal secretary who began to work for him. They fell in love and married in September 1990. In 1988, Lancaster made the very popular film Field of Dreams, his last film for the big screen. Lancaster's last work was a television mini-series called "Separate But Equal."

In November 1990, Lancaster suffered a major stroke which left him with paralysis on his right side and difficulty speaking. Lancaster died in Century City, California on October 20, 1994, only two weeks away from his 81st birthday.

Fishgall, Gary, Against Type: The Biography of Burt Lancaster, Scribner, 1995.


The Coded Queer Lives of a Hollywood Classic

“The Cat’s in the Bag, the Bag’s in the River”

What were we meant to be feeling at the movies in the 1950s on hearing a line like this? What do we feel now? What is this insinuating rumor about the cat, the bag, and the river getting at? How did movies make such magic out of masked meanings?

We looked at the screen, and things there seemed so real or emphatic—the men, the women, the sky, the night, and New York. In Sweet Smell of Success (1957) you believed you could sniff the black-and-white stink of the city. Wasn’t that in the contract as light ate into film’s silver salts? But the things depicted were also elements in a dream—nothing else looks like black-and-white. And because we believe dreams have inner meanings, not meant to be understood so much as lived with, we guessed there might be a secret within the facts. Was it just a gorgeous, repellent mood in Sweet Smell, or was a larger odor hanging over the film?

“The cat’s in the bag, the bag’s in the river,” Sidney Falco says to J. J. Hunsecker as information or promise, even as endearment. Those two rats play a game together called bad mouth. In 1957 in Sweet Smell the line had the click of hard-boiled poetry or of a gun being cocked. It said that some secret business was in hand, cool, calm, and collected but also dirty and shaming until you dressed it up in swagger. We were sinking into rotten poetry. I felt for that cat, and wondered if its death was being signaled but I guessed the scrag of wet fur was alive still—it was a secret and secrets don’t die, they only wait. The very line said, What do you think I mean? And that’s what the best movies are always asking. Sometimes you revisit those 1950s movies and feel the cat’s accusing eyes staring at you through the bag and the rising river.

Some people treasure Sweet Smell of Success because it’s so unsentimental, so gritty. I don’t buy that. Long before its close the story becomes tedious and woefully moralistic. It shuts itself down, and then the wisecrack lines are stale garnish on day-old prawn cocktail. Admit it: after sixty years, a lot of “great” films can seem better suited to museums than packed places where people want to be surprised for the first time, jetzt. In museums, as on DVDs, the films can seem very fine, yet not much happens while you’re watching except the working of your self-conscious respect. But power in a movie should be instant and irrational it grabs at dread and desire and often involves more danger than contemplation.

Sweet Smell is that good or grabby for at least half an hour—and in 1957 that came close enough to horror or fascination to alarm audiences. Perhaps that’s why the scabrous movie had to ease back, turn routine, go dull, whatever you want to say. Would it have been too disturbing for the movie business—which includes us, the audience—if Sweet Smell of Success had gone all the way and let its cat out of the bag?

As written first by Ernest Lehmann, then rewritten by Clifford Odets, and directed by Alexander Mackendrick, Sweet Smell is set in the old newspaper world of New York City. J. J. Hunsecker is an indecently potent gossip columnist on the New York Globe. The hoardings in the city call him the Eyes of Broadway, with the image of his cold stare and armored spectacles. At the time, there was talk that Hunsecker was based on a real columnist, Walter Winchell. That’s not incorrect. But how many now know who Winchell was then? Whereas a lot of us still respond to the smothered hostility in Burt Lancaster and react to the gloating tension he has in the lm with Tony Curtis.

Lancaster played Hunsecker his own company (Hecht-Hill-Lancaster) produced the movie. So Burt was in charge, and he is filmed throughout the story as a monarch who sits still and orders the execution of others with the flicker of an eye or a hushed word. That verdict will be passed finally on Sidney Falco (Tony Curtis), a scuttling press agent who survives by getting items into Hunsecker’s column and so can be engaged to do whatever ugly deeds J.J. requires. A refined, codependent slavery exists between them: J.J. smiles and Sidney smiles, but not at the same time. It is the toxic pact between these two that makes the film disturbing for at least thirty minutes—but it might have been a greater film still if it could have seen or admitted that their mutual loathing is the only thing that keeps them from being lovers.

This was not admitted in 1957, and no one can blame a commercial movie of that era for lacking the courage or even the self-awareness that would have been so direct about a destructive homosexual relationship. If Burt had felt that subtext, his company would never have made the picture. But Burt the man and the actor cannot resist the allure of the secret. He looks at Sidney and at his own position like a charmer looking at a snake and seeing danger. Yet Sweet Smell plays out finally as one more melodrama of good people and bad people—the way Hollywood liked to tell us the world worked. The radical situation of the lm is that Sidney fears and needs J.J. while the columnist despises but needs Sidney. There’s no room for conventional affection, let alone love, but dependency is like cigarette smoke at the nightclubs where the two rats live. And it reaches poetry in the vicious zigzag talk that joins these men at the hip.

They know each other like a married couple.

The talk seems lifelike—you can believe you are hearing two cynical professionals whose venom is ink the insults feel printed. But it’s hard for movies to stop at that. In the conspiracy of close-ups and crosscutting, and in the pressure to hold audience attention, the talk becomes musical, rhythmic, a self-sufficient rapture, and even the subject of a film.

Sidney goes to the 21 Club, sure that J.J. will be there, in his element. They know each other like a married couple. J.J. is at his table, holding court—he is a little like Vito Corleone at the start of The Godfather, but not as warm or amiable. Hunsecker is receiving a U.S. senator—a weak officeholder he has known for years—a groveling talent agent, and a blonde woman the agent is touting (and providing for the senator’s pleasure). The blonde is named Linda James. She maintains she is a singer. She is played by an actress named Autumn Russell who had a dozen movie credits before fading away she is good here as a woman past youthful freshness, attractive yet desperately preserved, painfully available, and about to be humiliated.

Sidney sits down at the table, beside but a little behind Hunsecker. J.J. begins to order him away, but Sidney has a password, a way into J.J.’s need—he has something to tell him about Hunsecker’s sister. So the powerful man relents and Sidney stays. Then Miss James, trying to be pleasant, wonders out loud if Sidney is an actor.

“How did you guess it, Miss James?” asks Hunsecker, scenting revenge.

“He’s so pretty, that’s how,” she responds. And let it be said, Tony Curtis in 1957 was “pretty,” or a knockout, or gorgeous… The list of such words is not that long, and it’s nearly as problematic now as calling a woman “beautiful.” Let’s just say “pretty” fits, even if Sidney is torn between pleasure and resentment at hearing the word.

Then Hunsecker speaks—and in a few words we know it is one of the killer speeches of 1957.

Mr. Falco, let it be said, is a man of forty faces, not one, none too pretty and all deceptive. See that grin? That’s the charming street urchin’s face. It’s part of his “helpless” act—he throws himself on your mercy. He’s got a half a dozen faces for the ladies, but the real cute one to me is the quick, dependable chap—nothing he won’t do for you in a pinch, so he says! Mr. Falco, whom I did not invite to sit at this table, tonight, is a hungry press agent and fully up on all the tricks of his very slimy trade!

That speech is as cruel as it is literary. It helps us recognize how uncasual or nonrealistic movie talk can be. Of course Hunsecker is a writer, though it’s easier to believe he dictates his column instead of putting pen to paper. But the speech relishes words and their momentum. In life, it was one of the speeches that Clifford Odets hammered out on his typewriter in a trailer parked on a Manhattan street hours ahead of the shooting. Odets had been a revered playwright in the 1930s, the husband or lover to famous actresses, and here he was, at fifty, a Hollywood writer and rewriter for hire, doctoring a screenplay for immediate performance. He knew self-loathing from the inside observers said he was “crazed” by the shift in going from being the next Eugene O’Neill to just another script doctor. Yet Odets was good enough to build to this moment: as he concludes his assassination, Hunsecker picks up a cigarette, and says, quietly, “Match me, Sidney.”

This is an ultimate humiliation it is the blade slipping between the bull’s shoulder blades but it is a proposal, too, or an admission that a terrible wounding marriage exists between the two men, one that cannot be owned up to or escaped. The line is poison for Sidney to taste, and Tony Curtis has played the scene, in close-up, like a man with a sweet tooth for poison, on the edge of nausea. (Later on in the film, Hunsecker tells Sidney he’s “a cookie filled with arsenic.”)

But even a destroyed wife can sometimes get a line back. “Not just this minute, J.J.,” Falco answers, and now we know there is a level between them, beneath professional cruelty and self-abasement. It is a horrible kind of love. Hunsecker smiles at the refusal, as if to admit that the wretched Falco can stick around.

There is more talk like this, and in 1957 it was courageous or even reckless: the film was never a popular success—it had rentals a million dollars less than its costs, so Burt the businessman suffered, which meant others would feel the pain. One obvious risk in the film was giving offense to real Hunsecker-like figures and undermining the integrity of what was still called “the press.” But there’s a deeper implication in the scene and the talk: these two men need each other they might exchange insult and subjugation forever. Indeed, as an audience we don’t want them to stop talking.

Alas, Sweet Smell cannot act on that realization. A complicated plot intervenes. J.J. is obsessed with his sister, Susan. This is asserted, but never explored: does he simply need to control her, or does he have a physical desire for her that he cannot express or admit? It should be added that there is no other woman in Hunsecker’s life. He is disturbed that Susie seems to be in love with a young jazz musician, Steve—maybe the cleanest, whitest, dullest jazzman in all of cinema. These two characters, played by Susan Harrison and Martin Milner, are embarrassments who drag the lm down. This is not an attack on the actors but despair over the concept that lets the lm dwell on them. Why is J.J. obsessed? We never discover an answer. I don’t necessarily want to see his incestuous yearnings I accept his need for power and fear in others. But I want chemistry between J.J. and Susan if the threat of losing her is to be dramatic.

As it is, Sweet Smell degenerates into a tortured intrigue in which Sidney contrives to frame Steve on drug charges, just to make Susan turn against her guy. This leads to an ending in which two bad men get their just desserts. But that is banal and lacks feeling for “the young lovers,” who trudge off together into a new day. We do learn more about Sidney’s conniving nature, and the film becomes a showcase for Curtis. (That he was not nominated for his work speaks to how far Sidney unsettled Hollywood.) But we do not get enough of the two caged men clawing at each other with spiteful words. I don’t think anyone could contemplate a remake of the film today without seeing that there has to be a gay relationship between columnist and press agent, a reliance that excludes the rest of life.

As the film ends, Susie has found the strength to leave her brother. “I’d rather be dead than living with you,” she says. The odious cop, Kello, has beaten up Sidney on the street and carried his limp body away. Is he dead? Or would it be possible for J.J. to come down to the street to reclaim the broken body, carry it upstairs, and put it in the room left free by Susie’s departure? That is not an enviable future for a very odd couple. Maybe Sidney lives in a wheelchair, crippled and needing to be looked after. Just so long as he can exchange barbed lines with J.J.

This is less film criticism—as in a review of a new film—than a reflection on the history of the medium and the way a dream evolves if it is potent enough. I can find no evidence that anyone on the picture intended the undertone I am describing, or was aware of it. I am confident that director Mackendrick and writer Odets were not homosexual, though I’m less sure that they didn’t understand the possibility of that relationship and see an underground life in the casting. Tony Curtis (born Bernard Schwartz in 1925) really was a very good-looking kid, though as a Bronx boy and then a young man in the Pacific war (in submarines), he was only ordinarily good-looking. It was in the late 1940s, as he thought of a show business career, that he started working hard on his looks and his body, and when he felt people in the neighborhood were thinking he might be gay.

In those late 1940s—and still today—there is a widespread feeling that a lot of people in show business are gay. That notion exists above and beyond the fact that there are more homosexuals in show business than in most other professions. Curtis was a fascinating case, with a well-earned reputation as a ladies’ man, with six marriages and six children.

I n watching pretense we acquire a deeper sense of our reality but a growing uncertainty over our psychic integrity. What else are movies for?

Curtis was also funny, candid, and quite bold. He could sit there on screen as Sidney while other characters considered how “pretty” he was. Many lead actors of that era would not have stood for that—I’m sure Lancaster would not have sat there, absorbing it (which doesn’t mean he was deaf to the undertones as he administered the lashing). Curtis grew up in the movie business with a corps of very good-looking guys, many of whom were clients of the agent Henry Willson, who cultivated gay actors who did not come out of the closet on screen—one of them was Rock Hudson, a contemporary of Curtis’s at Universal.

Maybe most important of all, Curtis had the courage to play Josephine in Billy Wilder’s radical film, Some Like It Hot. How much courage? Well, it’s fair to say that Jack Lemmon played Daphne in the spirit of farce and slapstick. It’s not likely, watching Some Like It Hot, in 1959 or now, to believe that Daphne is a girl. But Curtis went for it. Josephine ist an attractive woman. Curtis is candid in his book, American Prince, about the shyness he felt in wearing female clothes and then being on show in front of the crew. “After all these years of putting up with guys coming on to me and hearing rumors about my own sexuality, dressing like a woman felt like a real challenge to my manhood.” So he told Wilder that Josephine needed better clothes.

Not that it matters now, but I don’t believe Tony Curtis was gay, ever. Of course, that would have nothing to do with his ability as an actor to imagine or pretend to gay experience. And if Curtis was that good then he was admitting millions of people in his audience into the same experiment. One principle in this book—and it has been of enormous influence in our lives as a whole—is that in watching pretense we acquire a deeper sense of our reality but a growing uncertainty over our psychic integrity. What else are movies for? We thought we were identifying with characters for fun, but perhaps we were picking up the shiftiness of acting—for life.

The case of Burt Lancaster is more complex. He was married three times, and he had five children. But we are past believing that such credentials settle all interests. The best biography on Lancaster, deeply researched and written with care and respect by Kate Buford, does not believe he had an active gay life. That book was published in 2000. On the way to a celebration of its publication at Lincoln Center, I had dinner with an old friend, George Trescher, a man who did nothing to conceal his own homosexuality, and he assured me that in fact Lancaster had led a gay life. Later still, some documents were released from the F.B.I. and the Lancaster family that did not name names but that revealed that Lancaster had often been “depressed,” that he was bisexual, and that he had had several gay relationships, though never on more than a short-term basis.

With that in mind, you might look at Lancaster’s strangest film, The Swimmer (1968), directed by Frank Perry and taken from a John Cheever story. It’s a fable about an apparent Connecticut success, Ned Merrill, who takes it into his head to swim home one summer Sunday by way of all the pools owned by his acquaintances. Cheever, who had a tormented gay life, watched the filming with awe and amusement, as Burt, at fifty-five, in simple trunks, made Ned’s way from sunlight to dusk and dismay. Why did they make that movie? you’ll wonder. Because Burt wanted to do it.

For much of his career, Lancaster was called a he-man or a hunk. Trained in the circus and proficient as an acrobat, he loved athletic and adventurous roles in movies for which he frequently did his own stunts. As a boy, I thrilled to him as Dardo in The Flame and the Arrow (1950), about a twelfth-century Robin Hood figure from Lombardy. His sidekick in that picture was played by Nick Cravat, a circus partner who kept company with Burt for decades. They made nine films together, including The Crimson Pirate (1952), with Burt as an archetypal grinning rogue, beautiful and physically commanding, in what went from being a straight pirate adventure to a camp romp in which Lancaster is blond, bright, and comically cheerful—in other words, the hero is a parody of himself.

There was another Lancaster, darker and more forbidding: you can see that actor in The Killers, Brute Force, und Criss Cross, and he emerged fully as Sergeant Warden in From Here to Eternity. That Lancaster became a good actor, but for decades he was determined to stay athletic and heroic: as late as The Train (1964), when he was fifty, he was doing his own stunts. But his work in Sweet Smell is the more interesting for being so repressed. Was he at ease like that? Orson Welles had been the original casting as J.J., but Welles was in a run of ops so Lancaster the producer elected to play the monster himself. He made the role in a way that would have been beyond Welles. It’s in Hunsecker’s stealth and stillness that we feel his evil—or call it a darker inner life than Burt was accustomed to showing. Only a couple of years before Sweet Smell, he had played with Curtis in Trapeze, a conventional circus film that took advantage of his own physical skills.

Tony Curtis reported in his book that Lancaster was often very tense during the filming: he was at odds with Mackendrick, so that they sometimes came close to physical conflict. In one scene, Mackendrick wanted Burt to shift over on a bench seat to let Curtis sit at the table. Burt insisted that Hunsecker would not have moved for anyone—it was a good insight—and he nearly fought the director. Mackendrick was taking too long the picture’s costs were mounting. But the physical actor in Lancaster was both determined on and pressured by the role’s tensions.

The film’s composer, Elmer Bernstein, said, “Burt was really scary. He was a dangerous guy. He had a short fuse. He was very physical. You thought you might get punched out.” Yet Lancaster was supposedly in charge, as both character and producer. Was he afraid of his own film commercially? Did he bridle at his required stillness? Was he in control of Hunsecker’s blank rage? Did he guess that Tony Curtis had the more vivid role? Or was he oppressed by the implications of the film’s central relationship? Did he feel the movie was a plot against him? These questions are not just gossip they enrich one’s experience of J.J.’s paranoia. Lancaster’s authority and Hunsecker’s power are twinned and destructive.

If we see a gay subtext in Sweet Smell, then the hobbled nature of its women characters becomes clearer. It is not just that pliant singer on a senator’s arm. Susan is an emotional wreck, attractive in outline but drained of romantic confidence or stability. At one point Sidney tells her to start thinking with her head not her hips. Hunsecker has a secretary who has no illusions about him. Sidney has a girl who is his humbled slave. There is a well-drawn betrayed wife (nicely played by an uncredited Lurene Tuttle). And then there is the Barbara Nichols character, Rita, an illusionless hooker so degraded she will do whatever Sidney requires of her. There isn’t a woman in the lm with appeal or self-respect. This bleak elimination of heterosexual potential is part of the dankness in Sweet Smell and one more contrast with the exhilarated sparring between the male leads. Hatred or antagonism is their idiom, and we can’t stop hanging on the tortured double act.

Von Sleeping with Strangers: How the Movies Shaped Desire. Used with permission of Knopf. Copyright © 2019 by David Thomson.


Prolific Character Actor Ed Lauter Dies at 74

Ed Lauter, the always working character actor who played the butler/chauffeur of Berenice Bejo&rsquos character Peppy in the best-picture Oscar winner Der Künstler, died Wednesday. He was 74.

Lauter discovered in May that he had contracted mesothelioma, a terminal form of cancer most commonly caused by exposure to asbestos, publicist Edward Lozzi erzählt Der Hollywood-Reporter.

Lauter recently played a baseball scout opposite Clint Eastwood in Trouble With the Curve (2012) and had recurring roles on Showtime drama Shameless as Dick Healey and on USA Network&rsquos Pysch as Deputy Commissioner Ed Dykstra. Earlier, he recurred on ER, playing Fire Captain Dannaker.

A native of Long Beach, N.Y., Lauter made his TV debut on a 1971 episode of Mannix and arrived on the big screen for the first time in the Western Dirty Little Billy (1972). One of those character actors whose name is unknown but is instantly recognizable, he is listed with an incredible 204 credits as an actor on IMDb.

In Alfred Hitchcock&rsquos final film, Family Plot (1976), the balding, angular Lauter played Maloney, the dangerous, blue-collar man who knows too much about dapper jewel thief and kidnapper Arthur Adamson (William Devane). Hitchcock cast Lauter after seeing him play Captain Wilhelm Knauer, the sadistic leader of the guards who go up against Burt Reynolds&rsquo convict football team, in the classic The Longest Yard (1974).

&ldquoHitchcock came out of his screening room, walked back into the office and said, &lsquoHe&rsquos very good, isn&rsquot he?&rsquo&rdquo Lauter recalled in a 2003 interview. &ldquo[His assistant Peggy Robertson], thinking that he meant Burt Reynolds, said, &lsquoYes, he is.&rsquo &rdquo

&ldquoHitchcock said, &lsquoWhat&rsquos his name again?&rsquo Now, Peggy&rsquos lost he doesn&rsquot know who Burt Reynolds is? Then, Hitchcock said, &lsquoEd something &hellip&rsquo and when Peggy told him, &lsquoEd Lauter,&rsquo he said, &lsquoYes, we&rsquove got our Maloney.&rsquo He had actually told Peggy that he wasn&rsquot going to do the film unless he first cast Maloney, the antagonist.&rdquo

His film résumé also includes The New Centurions (1972), The Last American Hero (1973), French Connection II (1975), King Kong (1976), Magie (1978), Cujo (1983), Lassiter (1984), Death Wish 3 (1985), The Rocketeer (1991), Trial by Jury (1994), Leaving Las Vegas (1995), Mulholland Falls (1995), Meerbiskuit (2003), the 2005 remake of The Longest Yard, Seraphim Falls (2006) and The Number 23 (2007).

It only seems as if he was in every TV crime drama in history, with parts in Cannon, Ironside, The Streets of San Francisco, Kojak, Baretta, Police Story, Die Rockford-Akten, Charlie&rsquos Angels, Hawaii Five-0, Simon & Simon, Magnum, P.I., The A-Team, Miami Vice, Walker, Texas Ranger, Homicide: Life on the Street, NYPD Blue, Cold Case und CSI.

Lauter, who went to college on a basketball scholarship at C.W. Post on Long Island and worked as a stand-up comic, made his Broadway debut in the original 1968 stage production of The Great White Hope starring James Earl Jones und Jane Alexander.

He has three movies in the can yet to be released: The Town That Dreaded Sundown, Becker&rsquos Farm und The Grave.

&ldquoHe was a pal, not just a PR client,&rdquo recalled Lozzi. &ldquoHis former stand-up comedy days would always entertain us behind the scenes with his most incredible impersonations. He called me as Clint Eastwood from the set of Trouble With the Curve last year. We really thought it was Eastwood!&rdquo

Lauter also was known to do excellent impersonations of Burt Lancaster, George C. Scott, James Cagney und Humphrey Bogart.

The Ed Lauter Foundation and a scholarship fund is being established to honor his work, and the scholarship will be awarded annually to aspiring young actors. His family, which includes his wife of eight years, Mia, asks that donations be made to the foundation.

In the 2003 interview, Lauter recalled: &ldquoSomeone once said to me, &lsquoEddie, you&rsquore a &ldquoturn&rdquo actor.&rsquo What&rsquos that? He said, &lsquoThat&rsquos when a story is going along and your character shows up and the story suddenly takes a major turn.&rsquo That&rsquos kind of neat.&rdquo


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